REDADA FAMILIAR. Crónica Teatral

 

REDADA FAMILIAR. Crónica Teatral

Estamos sitiados. El enemigo puede invadir nuestra propiedad y nuestras personas en un breve plazo. Una invasión en toda regla y prácticamente definitiva. Claro que el enemigo somos nosotros mismos. 

Es el cañamazo sobre el que Antonio Muñoz de Mesa construye su comedia dramática ‘Redada familiar’ que el pasado domingo presentó el Teatro de Las Esquinas bajo la dirección de Olga Margallo. La obra, que lleva un año de exitoso recorrido por los escenarios, se subtitula ‘Una comedia para no fiarse de nadie’. De nuevo ese nadie somos nosotros mismos, cada uno en privado y todos en conjunto.

La familia protagonista ve interrumpida su cena por un agente de la Unidad de Delitos Informáticos, tras la sospecha de que alguno de sus miembros oculta actividades pornográficas ilegales y comunicaciones delictivas que han circulado a través de las redes sociales.

Cada uno de los personajes, entre los que destaca con luz propia el padre, interpretado por Mikel Laskurain, es sometido a un interrogatorio meticuloso por parte del comisario de la citada Unidad, tras haber realizado cada uno de ellos una auto confesión de sus actividades dudosas o irregulares a espaldas del resto de la familia.

Hay varios momentos impactantes en la obra, como la que realiza Aitor, el hijo, al encontrarse consigo mismo al otro lado de la puerta de la vivienda. Es también inquietante el análisis de su hermana Nerea, que solo aparece en pantalla, sobre los términos medios y la mediocridad.

El montaje es ingenioso, las interpretaciones de la pareja matrimonial muy verosímiles, algo más rígidas las del hijo y la del agente de la  Unidad de Delitos Informáticos, resultando muy contrastada la de la hija en sus dos intervenciones virtuales.

La obra de Muñoz de Mesa destila una cierta comicidad a lo largo de la trama, aunque finaliza de forma trágica. 

Francisco Javier Aguirre

 

ENSAYO VALLE-INCLANESCO. Crónica Teatral

ENSAYO VALLE-INCLANESCO. Crónica Teatral

El título oficial de esta comedia presentada por la compañía vallisoletana La Quimera de Plástico en el zaragozano Teatro de la Estación durante el presente  fin de semana es ‘Hasta aquí hemos llegado’. Pero junto a él figura, al mismo nivel en los carteles y prospectos de promoción, la esperpéntica y genial obra de Don Ramón que tituló ‘Los cuernos de Don Friolera’.

La versión realizada por Luisa Hurtado, que también dirige la representación, es un acierto de principio a fin. Selma Sorhegui, Juan Manuel Pérez y César Catalina son tres actores de una compañía que están perfilando los últimos detalles de la obra a representar, el esperpento de Valle-Inclán, mientras esperan la llegada de los restantes compañeros y de la directora.

Tras dudas y vacilaciones sobre algunos detalles y sobre la situación en general, deciden ir ensayando las escenas por separado, pero en un desorden tan bien ordenado, valga el oxímoron, que acaban completando todo el espectáculo hasta la sorpresa final, que los deja desolados.

La fórmula resulta muy eficaz para resucitar de manera original una de las creaciones más celebradas del poeta, narrador y dramaturgo gallego, cuya obra es imperecedera aunque la modernidad lo tenga en cierto modo recluido, que no olvidado.

Encomiable la agilidad con que los tres actores desdoblan sus papeles y así mismo destacable la eficacia de su interpretación. Una escenografía versátil y bien concebida añade sentido a los sucesivos cuadros escénicos que se van fundiendo en la percepción del espectador.

La tristeza final de los actores supuestos, al ver suspendida repentinamente y ‘sine die’ la representación que han estado ensayando, contrasta con la satisfacción evidente de los actores reales.

Francisco Javier Aguirre

 

LA PLAYLIST DE MAMÁ. Crónica Teatral

LA PLAYLIST DE MAMÁ. Crónica Teatral

La compañía Territorio Violeta ha sido el punto de partida de la séptima edición del ciclo Mujeres a Escena que organiza el zaragozano Teatro de las Esquinas. El título que encabeza esta crónica es más bien el subtítulo de la obra, original de Ana Graciani, porque recoge el elemento de referencia de la relación entre las protagonistas.  El título oficial, de resonancia  simbólica, es ‘A que voy yo y lo encuentro’.

Esta pieza poliédrica, donde los objetos distribuidos por el escenario juegan un papel muy significativo, sobre todo los espejos, es una propuesta original para dos actrices, Rosa Merás y Marta Bódalo, muy expresivas y bien adaptadas a sus diversos papeles, que simultanean sus sketches con la cantante Esther Fernández, apoyada a la guitarra por Juan Miguel Valero.

La temática que enmarca la acción pude resumirse de este modo: Amparo y Alba tienen relación con Ángela, madre de Alba, una anciana que está ahora en una residencia. Alba lleva años sin hablarse con ella. Amparo es quien la visita y quiere grabar una lista de canciones para  ayudar a Ángela a mantener viva su memoria.

La pieza tiene más de comedia que de drama, aunque a menudo induce a la reflexión. La temática base alude a las relaciones personales entre madres e hijas, utilizando una dinámica argumental que permite la inclusión de anécdotas y episodios breves sin perder nunca de vista la intención de la pieza, dirigida por la propia autora.

En conjunto resulta un mosaico de situaciones que reflejan la realidad actual de mujeres mayores al cargo de sus hijas y de madres jóvenes que cuidaron la infancia y adolescencia de sus hijas, incorporándose también las cuidadoras domiciliarias y las visitadoras en las residencias de ancianos.

El repertorio utilizado por Esther Fernández es la típica ‘música camp’ que determina una época y un estilo. Esas canciones  van a constituir la playlist que confortará los últimos años de Ángela, un personaje de referencia que centra la acción, aunque no aparezca en escena.

Francisco Javier Aguirre

EL REY QUE FUE. Crónica Teatral                      

La estructura dinámica de ‘El rey que fue’, espectáculo de creación a partir de una dramaturgia de Albert Boadella y Ramón Fontseré, que Els Joglars estrenaron el último día de octubre en el Teatro Principal de Zaragoza, plantea un proceso de meseta–valle–meseta en su trayecto argumental.

Concebida la obra en su conjunto como una parodia del actual rey emérito, hay una primera parte en la que se recurre a los elementos más criticables de la etapa ejecutiva del monarca. Ello puede suscitar cierta comicidad, acompañada de una indudable reprobación por parte de aquellas personas que censuran lo ocurrido. Es sabido que hay  diversidad de opiniones al respecto, pero los autores han enfocado la realidad desde un punto de vista satírico, y hasta grotesco.

A continuación se inicia, sin solución de continuidad, la que considero la segunda parte de la pieza, a la que denomino periodo ‘valle’, que transcurre en el mismo escenario, la cubierta del yate donde se ha desarrollado la primera, más incisiva, de mayor comicidad crítica. La acción resulta aquí reiterativa, carente de nervio, salpicada de pequeños elementos entre ridículos y satíricos  que poco o nada aportan a la sustancia de la parodia.

La tercera parte corresponde a las turbulencias marítimas, muy bien desarrolladas en el plano escénico y de evidente valor simbólico, en medio de las cuales, ya en solitario, el antiguo monarca presenta las reivindicaciones que la historia oficial le atribuye en cuanto a su gestión positiva como jefe del Estado. Incluso se ahonda en las raíces profundas de su desamparo infantil, sometido a los designios de un dictador que tenía sus propios objetivos.

La actuación de Ramón Fontseré es del alto nivel a que nos tiene acostumbrados, siendo bastante más planas las del resto del elenco. Entre los posibles finales, los autores han elegido uno triunfal, desestimando otras opciones más realistas.

Francisco Javier Aguirre

 

MACBETH. Crónica Teatral

 

MACBETH. Crónica Teatral

Etelvino Vázquez, creador y director de la compañía Teatro del Norte, ha logrado alcanzar una nueva cima en su dilatada carrera de actor y director: Shakespeare. Con su acostumbrada austeridad de medios, ha puesto en escena en el zaragozano Teatro de la Estación, durante este fin de semana, una versión muy personal y muy impactante de Macbeth, el prototipo de la ambición indefinida e imprecisa que su esposa, Lady Macbeth, consigue fortificar y ejercer.

El esquema dibujado por Vázquez es sumamente eficaz, al dibujar un retrato preciso de los personajes claves de la obra y diseñar una dramaturgia escueta pero significativa. Sus tres actores, Sandra Fergadi, David González, Enrique Dueñas y él mismo doblan y triplican papeles con un ritmo impecable que relata el drama en toda su dimensión. Su actuación es definida, contundente, creíble y enérgica, todo un ejercicio de identificación con el texto y el ambiente.

Incluso saca Etelvino partido de la valla que define el espacio escénico para convertirla en el bosque de Birnam, cuyo sorprendente movimiento de avance  simboliza la derrota de Macbeth, el rey impostor.

El espacio sonoro es significativo porque combina con acierto resonancias de la ópera verdiana con una copla reiterativa de acento trágico que acompaña diversos pasajes de la trama, sobre todo en la voz de Sandra Fergadi como la bruja agorera y como Lady Macbeth, más un dúo monofónico de voz masculina. 

El epílogo de la versión es impactante al vincular el poder con la corrupción y la destrucción, algo que confiere a la tragedia shakespeariana un indudable aire de modernidad.

Francisco Javier Aguirre

 

PONCIA. Crónica Teatral

 

PONCIA.  Crónica Teatral

La popularidad de Lolita Flores le viene dada de estirpe y ella la ha ido consolidando por méritos propios. Durante cuatro días, del 26 al  29  de octubre, está representando en el Teatro Principal de Zaragoza la obra ‘Poncia’, original de Luis Luque y dirigida por él, mismo a partir de ‘La casa de Bernarda Alba’, de García Lorca.

El soliloquio se sitúa tras la muerte de Adela, la más joven de las hijas de Bernarda, que se ha suicidado por un amor imposible. Poncia, la criada que en la obra original desempeña un papel secundario, adquiere aquí el protagonismo absoluto puesto que se dedica a dialogar con todos los personajes de la obra descargando su insatisfacción, a veces su saña y una continua sarta de reproches, añadiendo después al soliloquio episodios de su propia vida.

La idea pertenece a la serie de obras de reconvención a posteriori, cuya cumbre pudiéramos situar en la versión dramática de la novela ‘Cinco horas con Mario’, de Miguel Delibes. Allí, Menchu, la viuda de Mario, abarca la amplia dimensión temática del difunto, pero no alcanza el carácter fantástico y de suposiciones  en el ámbito familiar que tiene el texto de Luque. Este se desarrolla a impulsos, en un cierto desorden que conduce a la dispersión y a una serie de alternativas fluctuantes que hacen oscilar la trama. 

La interpretación es consistente pero irregular, por cuanto, al menos en el estreno zaragozano, los primeros minutos adolecieron de sonoridad suficiente, entre la posición de la actriz alejada del proscenio y las toses impertinentes de parte del público. Mejoró la audición superado ese inicio, y fue consolidándose la interpretación de la actriz a pesar de las fluctuaciones señaladas en la trama.

Una escenografía vaporosa y efectista, diseñada por Mónica Boromello, con la iluminación de Paco Ariza y la ilustración musical de Luis Miguel Cobo consolidaron un espectáculo que despertó en parte del público aplausos intermedios, con una previsible y generalizada ovación final.

Francisco Javier Aguirre

MUELLE OESTE. Crónica Teatral

 MUELLE OESTE.  Crónica Teatral

Cuando una compañía de ocho actores y actrices se despide del público de espaldas, después de haber trabajado frenéticamente durante dos horas sin pausa, algo grave ha ocurrido en el escenario. Este es el imposible resumen del argumento de la obra ofrecida en el Teatro de las Esquinas, en sesión única, el miércoles 25 de octubre. 

Uno de los personajes puede afirmar que hay un barco dispuesto a zarpar del puerto con diez direcciones simultáneas. Otro puede considerar que para dejar una huella en la vida hay que matar al menos a dos personas, porque uno sólo puede morir una vez. Un tercer testimonio puede informar de que el silencio se ha escapado por la puerta de atrás sin ser visto. También se puede asegurar que para permanecer absolutamente limpio hasta la vejez no hay que haberse lavado ni aseado desde el minuto uno de su nacimiento.

Sobre decenas, quizá cientos, de estas consideraciones se construye ‘Muelle Oeste’, del dramaturgo francés Bernard-Marie Koltès, una obra cuyo trasfondo mantiene como banda sonora el eco de un caos indescriptible, pero perceptible permanentemente. En determinado momento aparece en escena un rifle Kalashnikov que va a poner fin a un enfrentamiento expreso entre dos sociedades indefinidamente contrapuestas, la de los poderosos y la de los miserables, personas que han emigrado desde países de lengua extraña que se simbolizan en la figura de alguien a quien se llama ‘negro’, pero que cubierto con una capucha en el centro de la escena y de espaldas, permanece inmóvil sin decir palabra a lo largo de toda la representación.

La ficción supera a la realidad y al mismo tiempo la realidad desborda la ficción. Hay que dejarse invadir por las sensaciones de cada episodio, de cada consigna, de cada frase, de cada silencio, de cada mirada, de cada afirmación, de cada duda, de cada amenaza, de cada concesión… para llegar a no entender racionalmente el caos en el que se desarrolla la vida humana.

La clave de esta maravillosa creación dramática radica precisamente en la dispersión mental y en la controversia emocional que provoca. Todo está quieto y agitado al mismo tiempo, suenan el silencio y el alboroto con voces inaudibles a pesar de que, como se ha dicho, el fondo sonoro de la obra ronronea en el espacio a lo largo de toda la representación, y también del mismo modo la niebla invade el escenario sin tener otro sentido que ser una cubierta irracional, una nube surrealista pero algo más, como cuando se afirma que el tiempo se divide entre el día,  la noche y el después. Del mismo modo puede asegurarse que los manantiales nacen a la inversa para regar campos inexistentes que producen únicamente desasosiego. 

Francisco Javier Aguirre

(NOTA: Para leer la sinopsis argumental y otros detalles de la obra puede consultarse la web del Teatro de las Esquinas)