LA CELESTINA. Crónica Teatral

 

LA CELESTINA. Crónica Teatral

En el plazo de una semana se ha dado en Zaragoza una curiosa coincidencia en forma de duplicidad en el mundo teatral. Los días 5 y 6 de mayo se ofreció en el Teatro de Las Esquinas la comedia ‘La Profesora’, original de Eduardo Galán, con espacio escénico y vestuario de Mónica Teijeiro. De todo ello se dio cuenta oportunamente en este blog.

Ayer, jueves 11 de mayo, el Teatro Principal puso en escena la obra de Fernando de Rojas conocida popularmente como ‘La Celestina’, en versión también de Eduardo Galán, con escenografía y vestuario igualmente de Mónica Teijeiro.

Señaladas ambas coincidencias, hay que decir que la tragicomedia de Calisto y Melibea resultó una pieza de medidas justas, habida cuenta de que en un par de horas el versionador consiguió condensar la acción, que originalmente se extiende durante cinco, resumiendo en ese tiempo los avatares de los míticos amantes encarnados por Claudia Taboada y Víctor Sainz, aunque la clave del arco dramático resida en Anabel Alonso, como Celestina, perfectamente caracterizada y con una actuación sobresaliente.

Sobre ella recayó el ritmo y la esencia de la tragicomedia, arropada por el resto del elenco en el que destacaron, sobre todo, José Saiz como Sempronio, duplicando actuación como Pleberio. Esa alternativa actoral es uno de los alicientes principales de la obra, porque en cada uno de los papeles el actor consigue expresar la idiosincrasia del personaje, en el primer caso como cómplice de Celestina, y en el segundo como padre de Melibea.

También duplicaron sus papeles Claudia Taboada como Melibea y Areúsa, y Beatriz Grimaldos como Elicia y Lucrecia, oportunamente ataviadas por la escenógrafa. Víctor Sainz, como Calisto, cumplió, lo mismo que David Huertas como Pármeno, todos bajo la dirección de Antonio C. Guijosa.

La trama es sobradamente conocida, pero hay que recalcar algunos de los componentes filosóficos de la misma en los que Eduardo Galán quiso hacer hincapié. En particular la referencia  de Sempronio a que “las muchas ganancias despiertan muchas necesidades”.

En esa línea hay que aplaudir la versión ofrecida, además del mencionado diseño escenográfico de Mónica Teijeiro, y de la música original de Manuel Solís, sutil y oportuna.

Francisco Javier Aguirre

SOBRE LA POBREZA. Reflexión Filosófica

 

SOBRE LA POBREZA. Reflexión Filosófica

Este mundo está loco. Dicen que yo soy el presidente pobre. No soy el presidente pobre. Pobres son los que tienen más, los que no descansan nada, esos son pobres porque se meten en una carrera infinita. Yo soy un hombre austero que viajo liviano de equipaje para tener tiempo de hacer lo que a mí me gusta.

          José Mujica, ex presidente de Uruguay

LA PROFESORA. Crónica Teatral

 

LA PROFESORA. Crónica Teatral

Que el padre de una adolescente acuda a una cita con la profesora y tutora de su hija en el instituto, es algo normal. De modo que el comienzo de la comedia de Eduardo Galán titulada precisamente ‘La Profesora’, que ofreció el pasado fin de semana el zaragozano Teatro de Las Esquinas, se sitúa en lo que pudiéramos llamar un argumento diáfano.

Sin embargo,  no lo es, aunque inicialmente esté oculto. Poco a poco Isabel Ordaz, como América Alcalá, la profesora y tutora, secundada por Marcial Álvarez, como Carlos Ortiz, el padre de Daniela, la alumna problemática, irán desentrañando la madeja cuyos hilos aparentes ocupan la primera parte de la obra, que puede inscribirse en lo que ahora se denomina ‘dramedia’.

Porque, por una parte, es un verdadero drama el que un padre abandonado por su mujer no pueda controlar a su hija y, al mismo tiempo, que una mujer viuda a punto de jubilarse, profesora y tutora de la muchacha, no consiga enderezarla. Por no conseguir, tampoco logra entenderse con Ortiz, y se prevale de su nivel académico para anonadarle con continuas correcciones en cuanto a su lenguaje.

(Por cierto, he de decir entre paréntesis que hay escritores y periodistas que lo usan reiteradamente mal en algunas de sus expresiones escritas, como el uso de galicismos y la irregular utilización del pronombre personal LE en lugar de LES).

Pero volvamos a la trama en la que se va descubriendo que el verdadero problema del personaje ausente, aunque a menudo referenciado, la adolescente Daniela, padece una distorsión de su identidad sexual que poco a poco centra la trama, construida con diálogos inteligentes y salidas ocurrentes por parte de ambos intérpretes, destacando la versatilidad expresiva de Isabel Ordaz.

El resultado final de tan prolongado contacto entre ambos protagonistas, a través de las tutorías, es una aproximación personal que culmina con un baile conjunto que no resuelve el problema identitario de Daniela, pero que de alguna forma augura su tratamiento eficaz en el corto plazo.

Hay que destacar el excelente diseño del espacio escénico por parte de Mónica Teijeiro y el atinado uso de la iluminación debido a José Manuel Guerra, a los que acompaña el delicado espacio sonoro de Julio Awad, todo bajo la meticulosa dirección de Carla Nyman.

 Francisco Javier Aguirre

TERCER CUERPO. Crónica Teatral

 

TERCER CUERPO. Crónica Teatral

El espectáculo de creación de Claudio Tolcachir, titulado ‘Tercer cuerpo’, que se presentó el jueves, día 4, en el Teatro Principal, escapa a las coordenadas habituales de una pieza teatral, puesto que discurre de una forma líquida. Es como si llenáramos de agua un receptáculo con diferentes compartimentos y fuéramos haciendo circular el líquido elemento entre los mismos. Estos rincones son inicialmente una oficina destartalada, una consulta médica, un bar, un apartamento y, simbólicamente, el reflejo de la caótica realidad en la que se desenvuelven los personajes.

De manera que se trata más bien de un estudio psicológico de cada uno de ellos, con trasfondo surrealista, que de una narración de sus avatares. La escenografía y la ambientación son muy propicias para este batiburrillo de situaciones, que se producen simultáneamente aunque estén desconectadas entre sí. Los intérpretes interactúan en medio del vacío existencial que les acecha por todas partes.

El espectador queda sorprendido porque se le propone organizar este rompecabezas, así como descifrar las imágenes de una especie de caleidoscopio. El trasfondo de todo, como en multitud de ocasiones, es el amor y el desamor, utilizando la impostación de situaciones en las que operan la mentira, el transformismo y las contradicciones para dar forma a lo que en muchos casos es un simple espejismo.

El título ‘Tercer cuerpo’ tal vez pueda aludir a que existe un primer cuerpo, el personal, un segundo cuerpo, el ajeno, y un tercero que consiste en la comunicación entre ambos. El propio Tolcachir define así la esencia de los cinco personajes de la historia: “Muchas veces sentí que yo no estaba preparado, que no era lo suficientemente maduro para afrontar los desafíos más simples de la vida. Como si todos los demás hubieran recibido un manual de instrucciones que a mí no me llegó. La incapacidad absoluta como sello de fábrica y, sin embargo, un deseo enorme de vivir. Torpemente, equivocadamente pero al menos intentándolo”.

Gran despliegue actoral de Carmen Ruiz, distendiendo con su comicidad las situaciones más tensas, brillante el de Natalia Verbeke, con su aspiración a la maternidad, y un tanto apagado el de Nuria Herrero, que poco a poco se anima. Los dos varones cumplen, tanto Carlos Blanco como Gerardo Otero, aunque el último aparece un tanto desdibujado. 

La caótica acción se centra y encumbra en el momento en que Héctor, a quien interpreta Carlos Blanco, ya mediada la obra, decide escribir una necrológica a su madre recién fallecida, en la que intervienen sus colegas de manera determinante.

Francisco Javier Aguirre

CRÓNICA TEATRAL: El plan

 

CRÓNICA TEATRAL: El plan

El texto de Ignasi Vidal, que se ofreció el pasado fin de semana en el Teatro de la Estación, no hace sino trasladar la calle al escenario. Se representó hace años en Zaragoza, pero su reposición es oportuna porque sus planteamientos no han perdido actualidad. Esta propuesta de Olympia Metropolitana, dirigida por el propio autor e interpretada por Jordi Ballester, Diego Braguinsky y Àngel Fígols, apareció hace bastante tiempo como un modesto libro que poco a poco fue tomando dimensión hasta convertirse en una comedia negra de gran impacto.

La modernidad del tema y su cotidianidad convierten el escenario en una sala de estar de cualquier domicilio en un barrio obrero acomodado. Acomodado pero menos, porque el fantasma del paro ha tomado cuerpo y es una realidad que ahoga a los tres protagonistas, Ximo, Ramón y Andrade, compañeros en una fábrica recientemente cerrada.

Se han reunido para preparar un encuentro deportivo con otros colegas en su misma situación, pero la avería del coche de Andrade, el último en llegar, demora la reunión. Durante ese tiempo muerto comienzan a surgir multitud de aristas de la convivencia cotidiana. La relación de amistad entre ellos puede naufragar en cualquier momento porque se van descubriendo situaciones conflictivas que adquieren mayor volumen a causa de la tensión en que los tres se desenvuelven.

La trama se va enredando lentamente hasta alcanzar dimensiones trágicas. Antes ha habido tiempo para el humor, la ironía, la burla y el esperpento, pero lo terrible está por llegar. Abocados a la desesperanza laboral, y por distintos motivos también a la vital, estos tres perdedores van a ir desnudándose en un ejercicio más catártico que terapéutico. La conclusión, inesperada, es de gran impacto.

El enfoque naturalista de la obra, la fluida interpretación, las bromas y las confidencias consiguen que el espectador se sienta próximo a los personajes. Lo que se contempla puede hallarse en cualquier ambiente en estos tiempos de crisis laboral, económica, psicológica y social. No se trata de una denuncia de la situación, por sobreentendida, sino de una advertencia, de un aviso a navegantes sobre la inestabilidad de los vínculos, incluidos los afectivos y los familiares. La inquebrantable amistad de los protagonistas puede saltar hecha añicos a causa del desequilibrio a que les han conducido sus problemas, antiguos o recientes.

El dinamismo de la trama, su ritmo, las espontaneidad de la interpretación y la facilidad de identificarse con lo que está ocurriendo en el escenario, convierten la obra en una de las propuestas teatralmente más interesantes del momento actual.

Francisco Javier Aguirre

 

COMENTARIO LITERARIO. Escribir para uno mismo

COMENTARIO LITERARIO. Escribir para uno mismo

Conocí y tuve buenas relaciones con Antón García Abril, el famoso compositor turolense fallecido hace un par de años,  que es autor de música tan popular como las bandas sonoras de las series y películas ‘El hombre y la Tierra’, ‘Curro Jiménez’, ‘Sor Citroën’,  ‘Fortunata y Jacinta’, ‘Anillos de oro’, ‘Brigada Central’, ‘Ramón y Cajal’, ‘La ciudad no es para mí’ y así hasta el centenar largo de títulos. Al mismo tiempo, tiene una obra ‘clásica’ mucho menos conocida, pero de gran calidad, según los expertos. Incluso una ópera, ‘Divinas palabras’, con texto de Valle Inclán.

Entre las muchas entrevistas que le hicieron a lo largo de su vida, he encontrado la muy significativa respuesta que dio a la siguiente  pregunta:

¿Escribe usted música para sí mismo?

“Naturalmente. Yo escribo la música que me gustaría oír. Un compositor escribe para uno mismo. Escribiendo para ti y dentro de tu propia sensibilidad, dependerá de lo que quieras escuchar tú mismo el que puedas o no proyectarlo sobre los demás. Lo que yo quiero para mí es la emoción, y la emoción me gusta hacerla partícipe a los demás. No es que yo entienda que no hay que contar con el público, ni muchísimo menos, pero el compositor escribe para sí mismo, la música que le gustaría escuchar, y al mismo tiempo desea hacer partícipe al público de esa emoción que se siente al escribir la obra en concreto. Es un ofrecimiento que se hace a los demás. Es un deseo de comunicar a los demás aquello que has vivido y has sentido”.

Estas palabras me han hecho reflexionar sobre la creatividad de ciertos escritores a quienes interesa expresar sus emociones, sentimientos y sensaciones por encima del resultado económico y de la fama que les proporcionen sus libros, sean líricos, cómicos o dramáticos, en prosa o en verso.

 

 

EL CRÉDITO. Crónica Teatral

 

EL CRÉDITO. Crónica Teatral

Jordi Galcerán i Ferrer es un barcelonés, nacido en 1964, que ha alcanzado un enorme relieve dentro del mundo escénico. Estrenó en el Teatro Principal de Zaragoza su comedia ‘El crédito’ en 2014. La interpretaron entonces Carlos Hipólito, como el director de la sucursal bancaria, y Luis Merlo como Antonio Vicente, el demandante de un crédito sin aportar garantías, ambos dirigidos por Gerardo Vera.

Casi diez años después, vuelve la obra al Teatro del Mercado, del 27 al 30 de abril, ahora interpretada por Armando del Río y Pablo Carbonell, bajo la dirección de Raquel Pérez.

La puesta en escena es más austera en esta ocasión, pero el texto es el mismo. Vista la comedia por segunda vez, con una década de distancia, la primera conclusión es que ni la temática ni el estilo han envejecido, por lo que su reposición es un acierto. Sin duda, la solicitud de un crédito bancario es hoy más difícil que hace diez años, pero la vena cómica y cáustica de la situación se mantiene.

Sin quitar méritos a los primeros intérpretes, cuando nació la comedia, en esta ocasión tanto Armando del Río como Pablo Carbonell realizan un trabajo impecable que provoca la carcajada con frecuencia, a partir de un texto ingenioso donde se plantea una situación inverosímil, pero posible.

Porque eso es el teatro en buena medida: salirse de los cauces de una realidad perceptible para cualquiera, con el fin de indagar en el sustrato íntimo y personal, que refleja una realidad imperceptible para los demás, pero condiciona  su comportamiento.

 

Francisco Javier Aguirre