UN MONSTRUO VIENE A VERME. Crónica teatral

 

UN MONSTRUO VIENE A VERME. Crónica teatral

La Fundación Teatro Joven, ‘LAJOVEN’, presenta durante esta semana en el Teatro Principal su producción ‘Un monstruo viene a verme’, basada en la novela de Patrick Ness, que ha versionado David R. Peralto y dirige José Luis Arellano García. Es el inicio de una larga gira que llevará la obra por media España durante el primer semestre de 2026. 

El estreno en Zaragoza, destinado a todos los públicos a partir de los 10 años, se ha programado a las 19 horas para facilitar la asistencia de la gente joven, sobre todo de los adolescentes, porque la intención de la obra es abrirles la sensibilidad y apuntalar su fortaleza para que puedan hacer frente a sus miedos y a las realidades circundantes.

La trama reúne situaciones penosas, como el bullying escolar, la familia desestructurada, las tensiones generacionales, la enfermedad y sus secuelas psicológicas, y finalmente la muerte de una persona tan significada como la madre, que el protagonista, el joven Conor, ha de afrontar con entereza.

Una escenografía que combina la simpleza con la complejidad reúne también significados simbólicos derivados de la presencia del articulado tejo medicinal que se alza amenazador en el tercer plano del escenario. Hay que resaltar el acierto de la música de Alberto Granados que subraya la emotividad subyacente a toda la obra.

La interpretación de los actores es consistente, destacando Elisa Hipólito como protagonista, así como el monstruo que obsesiona y atemoriza con sus relatos trágicos a Conor a las 00,07 de la madrugada, hora que también marcará la muerte de su madre. La pieza tiene un par de referencias al teatro musical en las voces de varios de los actores.

El día del estreno, y a pesar de adelantarse la función una hora respecto a lo habitual, no abundó el público juvenil, tal vez al tratarse de una jornada lectiva. Es de esperar que durante el fin de semana aumente la afluencia.

Francisco Javier Aguirre

YO SOLO QUIERO IRME A FRANCIA. Crónica teatral

 

YO SOLO QUIERO IRME A FRANCIA. Crónica teatral

Hace poco más de un mes, el 5 de noviembre, actuó en el Teatro de Las Esquinas la veterana compañía murciana Alquibla Teatro 40 Actos con una obra, titulada ‘Lo más hermoso todavía’, en la que se planteaba una situación similar a la que da origen a la pieza dramática en la que la actriz María Galiana aparece en escena después de muerta. Esperanza Clares, de Alquibla, era Isabel, había fallecido recientemente y en su entorno se desarrollaban vibrantes episodios que consolidaban de ese modo la tercera entrega de la ‘Trilogía del camino’, una obra de Alba Saura Clares.

En esta ocasión, en el mismo escenario, la trama arranca de modo similar: la protagonista, Pilar, ya fallecida, se encuentra durante su velatorio en la encrucijada de que su vida vaya siendo destejida por dos nietas, Leo e Inés, que acaban de conocerse al tener que sustanciar asuntos hereditarios. Se suma a la acción la madre de ambas, Marisol, de nombre alternativo Nieves, también fallecida, por lo que la historia se desarrolla en dos niveles, el real y el virtual que, aun siendo simultáneos, no conectan entre sí por razón de su propia naturaleza.

El espectador asimila esta situación, con ribetes de farsa y ciertos guiños cómicos, sorprendido por la facilidad con que la autora y directora escénica, Elisabeth Larena, combina ambos planos de una forma coherente dentro de su irrealidad. Entre las escenas del velatorio actual, que ocupa el eje de la obra, se intercalan episodios antiguos estableciendo una escala de causa-efecto que explica el presente a partir del pasado.

La reiterada referencia a Francia es todo un símbolo de la huida, actitud vital que subyace a toda la historia, en la que las cuatro protagonistas acaban identificándose en su búsqueda de la libertad.

A destacar la extraordinaria vitalidad de María Galiana, quien a sus 90 años cumplidos exhibe una elocuente vis dramática que encaja a la perfección con el desarrollo de esta obra en la que la autora y directora, actriz también, ha rescatado su propia memoria familiar.

Francisco Javier Aguirre

 

LA REINA DE LAS NIEVES. Crónica teatral

 

LA REINA DE LAS NIEVES. Crónica teatral

Avisa el programa cuatrimestral del Teatro Principal que ‘La reina de las nieves’ es una versión contemporánea teatral y musical del cuento original de Hans Christian Andersen. Añade que se trata de una producción para todos los públicos, la cual rescata la pureza y la ternura que posee la literatura de los cuentos al llevarlos al teatro.

Con esa intención, la de ofrecer un espectáculo para niños y adultos, la hora se ha adelantado a las 7 de la tarde, cuando lo habitual son las sesiones a las 8. Sin embargo, bien sea por las fechas vacacionales o por su perspectiva próxima, en las primeras sesiones no se ha podido reunir a un suficiente núcleo de público infantil y juvenil en las butacas del Teatro.

La versión que se está ofreciendo durante diez días, en la primera quincena de diciembre, contiene los alicientes del canto y la danza ensamblados con la peripecia teatral que desarrollan Irene Camacho, como Gelda, Nacho Zorrilla, como Kai y una exótica Reina de las nieves personificada por la taiwanesa Hichi Chiu.

A este triángulo base se unen otros personajes, como la hechicera, la corneja, la bandolera y el reno, todos ellos bajo la dirección de Triana Lorite cuya dramaturgia pretende no solo actualizar sino incluso retrotraer la obra a su origen compositivo en el sentido de que Andersen, al mismo tiempo que dramaturgo, fue un hombre aficionado a la música y hasta ejerció como cantor.  La directora ha añadido la danza como elemento aglutinador de la trama narrativa, que discurre de una forma sutil y poética para ensamblar bien con la fábula, aportando innovaciones como la forma gestual del butoh y las inflexiones del flamenco.

Cada uno de los personajes ha realizado una intensa preparación para conseguir trasladar a una modernidad compleja lo que surgió de una mente igualmente compleja, aunque en otra dimensión.

Francisco Javier Aguirre

 

DAMAS MALDITAS. Crónica teatral

 

DAMAS MALDITAS. Crónica teatral

Tres grandes novelas y sus tres emblemáticas protagonistas han servido a Chema Cardeña para componer el drama ‘Damas malditas’, que bajo su dirección se ha ofrecido en el Teatro de la Estación durante el pasado fin de semana. ‘Madame Bovary’ terminó de publicarse por entregas en 1856, ‘Anna Karenina’ apareció en 1878, y finalmente ‘La Regenta’, cuya protagonista también era una Ana, Ana Ozores,  vio la luz en 1884. A partir de este trípode femenino, el autor ha reflexionado sobre una realidad que parece lejana, pero que se mantiene en ciertos términos, más de los que pronosticaría la evolución social durante el tiempo transcurrido. 

Tres actrices de larga trayectoria y gran solvencia, Carme Juan, Pepa Juan y Rosa López interpretan a cada una de estas figuras históricas, y al mismo tiempo se desdoblan cuando es preciso para erigirse en coro de chismorreo sobre las circunstancias anómalas que rodean a las tres mujeres. Darío Torrent ejerce de vínculo entre ellas, y sirve de contraste masculino, demostrando una gran capacidad mimética que pone un punto picante, y hasta histriónico, a esta historia dramática.

Es también el responsable del espacio sonoro que acompaña con gran eficacia los diversos episodios de la trama, utilizando la música de Emilie Autumn, perfectamente adaptada al trasunto de las historias narradas. El diseño escenográfico de Luis Crespo resulta revelador, por cuanto el trono giratorio sobre el que transcurre buena parte de la acción, quiere simbolizar los diferentes estados emocionales que se derivan del texto. 

Hay una intención de resarcimiento y reparación de estas figuras históricas que representan la lucha por la libertad personal y por una igualdad que, al cabo de siglo y medio, a pesar de los avances conseguidos, continúa siendo una asignatura pendiente en nuestra sociedad.

Francisco Javier Aguirre

MALDITOS TACONES. Crónica teatral

 

MALDITOS TACONES. Crónica teatral

El incesto, en sus diversas formulaciones, ha sido tema recurrente de la literatura a lo largo de la historia. Un rápido repaso nos recuerda autores de todas las épocas, desde el griego Sófocles hasta el contemporáneo Mario Vargas Llosa, pasando por personalidades de gran calibre como Shakespeare, Ernesto Sábato, Vladimir Nabokov, Julio Cortázar o Gabriel García Márquez.

La pieza dramática de Ignacio Amestoy, que durante el pasado fin de semana se ha ofrecido en el Teatro de Las Esquinas en versión y bajo la dirección de Magüi Mira, está soportada por esa misma situación, que no se utiliza para justificar de entrada la entrevista entre las dos actrices a quienes interpretan Luisa Martín y Olivia Molina, sino que se revela en el tramo final de la obra. Eso favorece el suspense inicial, porque el espectador adivina que algo extraño ocurre, pero ignora de qué se trata. Finalmente son madre e hija, dos seres que arrastran su propia tragedia, intentando esclarecer las circunstancias que las llevaron a un distanciamiento inicial, que aún están a tiempo de reparar. 

El trepidante diálogo entre ambas discurre con un afán reivindicativo que va descubriendo las texturas psicológicas de cada una y proyectando tanto la demanda de una dignidad perdida como la denuncia de las estructuras sociales que condicionaron su actuación. Hay cierto hieratismo en las interpretaciones, algo que se deriva de la tensión dramática del texto. Es un enfrentamiento visceral entre dos mujeres triunfantes en la órbita social, pero que arrastran un sentimiento de fracaso en lo personal.

La puesta en escena es simple, pero impactante. La acción se desarrolla sobre un rotor que va situando a las dos actrices en posiciones contrapuestas, pero progresivamente coincidentes. La iluminación juega un papel fundamental, en mayor grado que la banda sonora.

Francisco Javier Aguirre

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT. Crónica teatral

 

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT. Crónica teatral

Rainer Werner Fassbinder es uno de los dramaturgos alemanes más consistentes de la segunda mitad del siglo XX. La obra que se está representando en el Teatro Principal durante estos días, se gestó en 1971 y causó un gran impacto en los ambientes culturales de la época. Lo mismo ocurrió con la versión cinematográfica dirigida por el propio autor un año después. 

La versión dramática que ahora se ofrece ha sido realizada por Rakel Camacho y en ella intervienen cinco actrices de gran solvencia encabezadas por Ana Torrent. La temática que aborda esta obra es sumamente actual. Aunque problemas como la soledad, la incomunicación, el delirio, el alcoholismo o los fracasos amorosos son eternos, en el momento presente han crecido exponencialmente en todos los estratos de la sociedad. La obra de Fassbinder ahonda en estas cuestiones, planteando una situación lacerante de la que es principal víctima la protagonista, la diseñadora Petra von Kant, epicentro de la acción dramática. Karin, su amante, sirve de contrapeso, acompañada por la madre y la hermana de la protagonista ante la mirada muda de Marlene, la criada y secretaria de Petra. 

El montaje dispone una oportuna distribución de roles, todos enfocados a analizar las relaciones humanas, los riesgos del éxito, la lacra del narcisismo y los vaivenes del amor. La escenografía de Luis Crespo impacta por sugerente y rupturista, lo mismo que el diseño del vestuario y el espacio sonoro, que llega a ser agobiante en los momentos álgidos de la trama. 

Las cinco actrices, incluidos los silencios de Marlene, realizan con sus gestos y palabras un profundo viaje al interior del alma humana. Como ha señalado Javier López Clemente, ‘el trabajo actoral es la guinda imprescindible para que todo encaje, dejando al espectador como a un entomólogo que analiza a unas criaturas situadas más allá de la verdad’.

Francisco Javier Aguirre

EL PAÍS DEL VIENTO. Crónica teatral

 

EL PAÍS DEL VIENTO. Crónica teatral

La nostalgia de un amor juvenil llevó al Grazia Deledda, Premio Nobel de literatura en 1926, a escribir un relato autorreferencial sobre su lejana memoria. La compañía sarda Akròama ha cerrado con esta historia la Segunda Muestra Internacional de Teatro de Zaragoza, que se ha celebrado durante la pasada semana en el Teatro de la Estación. 

Mediante un sutil proceso de desdoblamiento, en el que la narradora es al mismo tiempo la protagonista de ese amor juvenil, la dramaturgia de Lelio Lecis, que también dirige la obra, va trazando con delicadas líneas envolventes una trama que une el presente con el pasado, en ese orden, mediante un lenguaje que combina la lírica con el acento dramático que subyace a la historia. El viento a que alude el título es un símbolo metafórico de la fuerza incontrolable  que agita las pasiones humanas, sometiéndolas a un destino ajeno a la propia voluntad. 

El espectáculo en italiano, con una dicción nítida por parte de los intérpretes, Lia Careddu, Roberta Pasquinucci, Stefano Cancellu, Simeone Latini y Tiziana Martuccipudo, pudo seguirse también con los textos traducidos en pantalla. Los cinco actores demostraron mucha pericia en su oficio, desempeñando papeles intercambiables de gran verosimilitud.

Especialmente impactantes fueron las canciones populares a viva voz interpretadas por la narradora, que a veces tomaba el papel de protagonista reciente de la historia antigua. El final de la obra resultó especialmente significativo, tanto por el juego escénico como por la música envolvente: el himno religioso ‘Deus ti salvet Maria’ con que culminó este drama sentimental.

Francisco Javier Aguirre