EMOTIONAL COLLAGE THEATRE. Crónica Teatral

 

EMOTIONAL COLLAGE THEATRE. Crónica Teatral

En el mundo taurino se dice que no es lo mismo ver los toros desde la barrera que desde la arena. Imaginemos que unos cuantos forofos de la tauromaquia se instalaran durante una corrida en el ruedo para ver actuar a toros y toreros.

Salvando distancias, ese experimento lo ha organizado el Teatro de Las Esquinas para los tres primeros días de esta semana, última del mes de mayo. Bajo la dirección de Carlos Martín, con dramaturgia de Irene Herrero, Alfonso Plou y el propio director, utilizando textos fragmentarios de Mamet, Rambert, Lidell y referencias a Chejov, cinco actores de la Nova Compañía –Fany Gijón, Laura Lúa, Nuria Pichardo, Jorge Rado y Evelia Sancho–, que iniciaron su aprendizaje en la Choven Compañía, realizan un ejercicio de expresión verbal y corporal dentro del escenario, rodeados por una treintena de personas que acuden precisamente con la intención de introducirse en las entrañas del experimento.

Ya no se contempla la acción y dicción de los protagonistas desde la grada, sino compartiendo su espacio operativo y en alguna ocasión las alusiones directas que impactan tanto a los emisores como a los receptores. No se trata de la fórmula de 'la provocación', sino de un modo de entrelazar al actor y al espectador utilizando el espacio desde el que se proyecta todo.

El montaje resultó de gran impacto, incluso para personas de la profesión, que también las había entre el público. Tras esa especie de máster acelerado en algo más de una hora, tanto para actores como para espectadores, hubo una exposición aclaratoria y un coloquio dirigido por Carlos Martín, director del Teatro del Temple, una de las dos compañías que conforman el Teatro de Las Esquinas, junto al Teatro Che y Moche, cuyo director, Joaquín Murillo, también intervino en el coloquio.

Participaron muchos de los asistentes exponiendo sus sensaciones, descubrimientos, imágenes... que el experimento suscitó en su imaginación y toda una serie de referencias que contribuyeron a que la sesión resultara redonda, y no sólo por la posición de los participantes en el escenario.

El martes 28 y el miércoles 29 tendrán lugar dos sesiones sucesivas de este sugestivo experimento de la Nova Compañía, un taller avanzado que forma parte del Laboratorio de Investigación y Creación Escénica ZIES.

 Francisco Javier Aguirre

OL-VI-DO. Crónica Teatral

 

OL-VI-DO. Crónica Teatral

La joven compañía aragonesa Biribú Teatro, nacida hace tres años, ha estrenado el pasado jueves, día 23, su segunda creación, en el Teatro del Mercado. El título simbólicamente entrecortado, OL-VI-DO, ya da una pista sobre el contenido del espectáculo.

En este segundo montaje, dirigido por Ana García, tras sus inicios con ‘Cómo dormir al monstruo’, tratan de poner sobre las tablas una realidad cada vez más frecuente: la pérdida colectiva de la memoria. A pesar de los enormes medios técnicos para la información de que dispone la actual sociedad, la sucesión de los acontecimientos es tan rápida que en buena medida todo lo que ocurre es pasto del olvido. No se recuerdan la mayoría de las cosas, pero se archivan.

Este es el eje de la acción cuando Olivia, Victoria y Dominga, caóticas trabajadoras de un distópico Archivo General del Olvido, contravienen las órdenes y los reglamentos impuestos y destapan varias de las cajas que han ido ordenando sistemáticamente. Su contenido les revela realidades que habían sido sepultadas por el frenesí del tiempo contemporáneo.

Alba Escribano, Carmen Más y Lorena Soler, las tres actrices formadas en la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza, son expertas en teatro gestual, improvisación y clown. Especializadas en combinar el arte dramático con la acción social, inician de ese modo un viaje hacia la recuperación de la memoria.

No hay un trasfondo político conectado o contrapuesto con el actual debate que se está desarrollando entre las diversas facciones ideológicas que nos gobiernan, porque la intención de las creadoras e intérpretes del espectáculo es meramente humanístico. Además de actrices, son educadoras sociales y expertas en psicología. 

Desde el punto de vista dramático, OL-VI-DO aparece con ciertas fracturas argumentales y una cierta dispersión estilística que intenta combinar la comedia con el mimo, con el teatro del absurdo e incluso con corrientes de larga trayectoria como la ‘patafísica’ de Alfred Jarry, Boris Vian y Fernando Arrabal, entre otros. 

La escenografía de Óscar Sanmartín, junto a la Iluminación de Ángel Cantizani, acompañan bien el desarrollo del espectáculo, muy concurrido el día de su estreno.

Francisco Javier Aguirre

BÚHO. Crónica Teatral

 

BÚHO. Crónica Teatral

El Teatro del Mercado está ofreciendo estos días una obra singular por su concepto y su realización. ‘Búho’ es una  producción de la compañía  Titzina, en la que Diego Lorca y Pako Merino han volcado toda su creatividad para construir una pieza dramática que cuenta con dos valores fundamentales: la trama y su interpretación. 

Ya el título sugiere el contenido global de la propuesta por cuanto el animal nocturno es un avezado buscador de la identidad en medio de la oscuridad. Una oscuridad que se ha apoderado de la mente de Pablo, un antropólogo forense especializado en yacimientos paleolíticos, tras sufrir un ictus a consecuencia de un accidente. 

La amnesia severa que padece es tratada por un especialista, dando lugar a episodios donde la tragedia y la comedia se entrelazan con habilidad. El proceso de recuperación ahonda en el problema de la identidad de una persona sin memoria, alguien que bucea de forma reiterada en su pasado a través de un experto psiquiatra, descubriendo esporádicamente en él  episodios trágicos y algunas circunstancias familiares condicionantes del presente. 

Capítulo aparte merece la interpretación de ambos actores y creadores del espectáculo, bien establecidos en su papel consciente, al mismo tiempo que desarrollan un trabajo físico como exploradores de las profundidades, conectando tanto con el pasado cavernícola de la humanidad como con el presente subterráneo de la modernidad.

La banda sonora debida a Jonatan Bernabeu y Tomomi Kubo tiene gran significado a lo largo de la obra, particularmente en uno de los episodios que se perfila como una deconstrucción del Andante con moto del ‘Trio Nº 2, Op. 100’, de Schubert, que en la soberbia película ‘Barry Lyndon’, de Kubrick, representa el  proceso constructivo de la personalidad del protagonista, mientras que en ‘Búho’ se utiliza durante un largo pasaje para subrayar la disolución de la memoria del antropólogo.

Como señala un crítico que asistió al estreno de la obra, “el texto de Lorca y Merino es un maravilloso documento literario, pero que necesita de las tablas para adquirir consistencia dramática. Realidad frente a virtualidad, en definitiva”. 

Francisco Javier Aguirre

LA COMEDIA DE LOS ERRORES. Crónica Teatral

 

LA COMEDIA DE LOS ERRORES. Crónica Teatral

Entre los muchos dramas y tremendismos que William Shakespeare subió a la escena, figura como pieza singular ‘La comedia de los errores’ que, en versión de Albert Boronat y bajo la dirección de Andrés Lima, está ofreciendo estos días el Teatro Principal de Zaragoza. El propio director ha expresado de forma elocuente el laberinto por el que el bardo británico hace circular a los espectadores que tratan de identificar a la tropilla de personajes que circulan por las calles de Éfeso, en una Grecia remota, pero al mismo tiempo actual, habida cuenta de que el espacio sonoro, a cargo de Sergio Sánchez Bou, está regido por  figuras inconmensurables como Mikis Theodorakis, Chopin y Mike Oldfield.

El propio director es quien delimita de manera concisa el argumento de la obra: “Cuatro gemelos, es decir, dos parejas de gemelos emparentados con dos gemelas, que por error se emparejan con los gemelos que no son sus parejas mientras sus gemelos auténticos se disfrazan de las gemelas erradas para seducir a sus gemelos, impostores de ellos mismos… ¿o no es así? …no, me he equivocado, yerro. En realidad, son una pareja de gemelos, que no lo son entre ellos sino de otra pareja que tampoco lo son entre ellos, pero sí lo son de la otra pareja, que adquieren una deuda con un joyero, amigo de un exorcista que vive cerca de una Abadía en la que se encuentra una Madre Abadesa que está casada con un viajero comerciante que ella cree muerto y por lo tanto es más madre que abadesa… o no, ¿me equivoco de nuevo? El caso es que todos tienen ganas de fiesta a la orilla del mar en Éfeso… ¿Éfeso tiene puerto? Tiene una biblioteca y un teatro precioso, pero… ¿mar?”

El elenco presidido por Pepón Nieto, a quien acompañan con un enorme desparpajo Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido, encarnando a un larga docena de personajes, traduce la comedia de Shakespeare con un ritmo trepidante y una precisión escénica que sorprende, tanto por la gestualidad como por la vocalización. 

El vestuario de Paola Torres es fastuoso, y la dinámica del montaje, debido a Andrés Lima, con sus esporádicas rupturas de la cuarta pared, completan un espectáculo de altos vuelos que se estrenó en el Festival de Mérida del pasado verano.

Francisco Javier Aguirre

RABIA. Crónica Teatral

 

RABIA. Crónica Teatral

Claudio Tolcachir, que dentro de un año alcanzará el medio siglo, es un afamado actor, dramaturgo y director teatral de origen argentino pero también arraigado en España a través del espacio Timbre 4 que regenta en Madrid, como sucursal de apoyo de su empresa bonaerense.

 El pasado sábado, día 4, presentó en el zaragozano Teatro de Las Esquinas una versión dramatizada de la novela ‘Rabia’ del también argentino Sergio Bizzio, adaptada por Tolcachir en colaboración con Lautaro Perotti, María García de Oteyza y Mónica Acevedo.

Conocíamos desde hace tiempo a Tolcachir por obras propias como ‘La omisión de la familia Coleman’ o ‘Tercer Cuerpo’, presentadas en Zaragoza, e incluso como director de la versión dramatizada por Eduardo Galán de la novela de Miguel Delibes ‘Las guerras de nuestros antepasados’ que tuvo su estreno absoluto en nuestro Teatro Principal a comienzos de 2023. 

Ahora retorna a su papel de actor con ‘Rabia’, dirigida por él mismo y por Lautaro Perotti, sobre una dramaturgia sintética que utiliza una escalera giratoria para servir de soporte a la acción, apoyada también en sonidos imprecisos y ángulos de luz sugerentes.

La historia de un asesino llamado José María, atrapado voluntariamente en los espacios poco habitados de una mansión, llega a empatizar con el espectador mientras el protagonista va evolucionando a lo largo de varios meses dedicados al autoconocimiento y a la observación minuciosa de cualquier ruido o rumor que transcurra en el edificio donde su novia realiza las funciones de criada.

Claudio Tolcachir consigue que la sinuosa trama se instale en la cabeza del espectador y le transmita unas insospechadas dosis de simpatía, al mismo tiempo que la impregna de un sentido poético y simbólico en el que cabe tanto la ternura como el humor negro, hasta llegar a un final presagiado por el título, pero en cierto modo inesperado, que es el que da sentido tanto a la novela como a su versión dramatizada.

Todo ello adobado por la precisa vocalización del actor, su gestualidad y sus movimientos voluntariamente inseguros, más la cálida eufonía de su acento rioplatense.

Francisco Javier Aguirre

 

 

UN DÍA FELIZ. Crónica Teatral

 

UN DÍA FELIZ. Crónica Teatral

No es que los fantasmas resuciten, sino que nunca mueren. Ese es el punto de partida antropológico del que nace la divertida pieza UN DÍA FELIZ que la compañía Teatro Che y Moche está representando estos días, hasta el próximo domingo 12 de mayo, en el zaragozano Teatro del Mercado. 

Tres miembros de una familia eslava, los Poliedrich, que se suceden generación tras generación, van contando sus avatares, venturas y desventuras a lo largo del siglo XX, desde la Gran Guerra, pasando por la Revolución bolchevique y la Segunda Guerra Mundial, hasta desembocar en la más candente actualidad, estratégicamente representada por explosiones destructivas que resultan fáciles de ubicar.

Los Poliedrich proceden de un país exótico y remoto, Galaspi, aunque está situado cerca de Varsovia: tan próximo que puede verse desde la capital polaca y acceder a él atravesando simplemente el río Vístula.

Las tres generaciones de fantasmas repiten no solo su trayectoria, sino también sus nombres: Yuri, Zoltán y Ioaquím. Les dan vida en un permanente renacimiento Kike Lera, Sergio Domínguez y Joaquín Murillo, que además dirige la obra, en la que tiene un papel fundamental Tereza, una violinista que sirve de enlace entre las diversas épocas en que transcurre la acción. 

Teresa Polyvka es una artista que entra en la comedia con su virtuosismo en ristre, tanto utilizando el violín como el acordeón. Los tres miembros de la familia Poliedrich la integran en su vida y participan con ella en el festival cómico-musical en que consiste básicamente UN DÍA FELIZ.  Los fantasmas se corporeizan de manera que interpelan al público y hacen participar de su fiesta a varios espectadores. 

Finalmente logran su objetivo, consiguiendo que durante hora y media logremos abstraernos con sus bromas y los divertidos juegos verbales que prodigan, de la opaca realidad que nos envuelve, sumergiéndonos en la felicidad puntual que nos procuran.

Francisco Javier Aguirre

 

MARÍA DOMÍNGUEZ. Crónica Teatral

 

 

MARÍA DOMÍNGUEZ. Crónica Teatral

Poner sobre el escenario la vida de María Domínguez, aunque sea de forma esquemática, es un ejercicio arriesgado. Sin embargo, Factory Producciones ha superado el reto con nota al presentar el pasado 1 de mayo, en el zaragozano Teatro de las Esquinas, la obra de Francisco Fraguas ‘María Domínguez, una flor en el páramo’, bajo la dirección de Mario Ronsano.

La figura de esta heroína destaca en la saga de mujeres progresistas de finales del siglo XIX y comienzos del XX, a pesar de ser menos conocida que Concepción Arenal, Emilia Pardo Bazán, Clara Campoamor, Margarita Nelken o Victoria Kent, que no procedían de un ambiente rural dominado por el analfabetismo y el sometimiento a la autoridad del varón. Con el añadido de ser la primera mujer que ocupó una alcaldía en España, la de Gallur, en la ribera del Ebro.

Limitando este comentario a la transcripción dramática de la vida de María Domínguez, hay que señalar la habilidad del autor para establecer una secuencia de momentos claves en el desarrollo personal, ideológico y político de esta heroína aragonesa, nacida en 1882, a quien interpreta con severidad y contundencia Ana García. El propio Fraguas, junto a Cielo Ferrández, asumen con caracterizaciones vertiginosas una veintena de papeles complementarios, destacando la versatilidad de la actriz que hace de madre, amiga, cómplice, niña, agente de la autoridad, pregonera y anarquista, mientras que Francisco Fraguas acierta manteniendo en sus caracterizaciones como marido, funcionario, cura, gobernador, y también agente de la autoridad, la hechura recia que se supone en un hombre de aquella época. Con una interpolación sorprendente y premonitoria en el imaginado papel de Martin Lutero King.

Para completar el elenco hay que destacar las actuaciones musicales en directo de Noelia Gracia, al violín, y de Jesús Ortiz, al piano, resaltando al mismo tiempo la frescura del montaje, con sus veladuras visuales, ideado por Mario Ronsano.

Un entusiasta y prolongado aplauso, con los asistentes que llenaban a rebosar el Teatro de las Esquinas puestos en pie, premiaron la obra y a sus intérpretes, dando paso a un interesante coloquio sobre la figura de María Domínguez y su papel en la lucha feminista. 

Una segunda representación tendrá lugar en Zaragoza el día de hoy, 2 de mayo, con la perspectiva de que el espectáculo recorra los escenarios de la geografía española, europea e hispanoamericana.

Francisco Javier Aguirre