EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS. Crónica teatral

 

EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS. Crónica teatral

Para celebrar el 65 aniversario de sus inicios sobre las tablas, Els Joglars han diseñado una nueva versión de El retablo de las maravillas, un entremés que Cervantes concibió para burlarse y criticar a los poderosos de su época. Ahora, transcurridos más de veinte años del estreno de esta farsa, Albert Boadella y Ramón Fontseré han actualizado varias de las situaciones y personajes antes mostrados, para conectar con un nuevo público, aunque fue suficiente desplegar la vista por las plateas y palcos del Teatro Principal para comprobar que también acudieron al estreno bastantes de quienes ya disfrutaron de la obra hace dos décadas. 

Como es habitual en la compañía, todo está perfectamente medido y calculado, tanto el espacio escénico como los diseños de iluminación, vestuario y banda sonora. La sutileza de los diálogos, la finura de la ironías, la oportunidad de las referencias, así como la medida del tempo de cada uno de los episodios a través de los que la trama enlaza un retablo, a veces visual y a veces imaginario, consiguen que la obra cumpla sobradamente su objetivo, despierte las sonrisas, avive el sentido crítico de los espectadores y exponga con absoluta libertad la opinión de los creadores, al margen de las coyunturas ideológicas presentes.

La simbología del recurrente apunte escatológico en los sucesivos cuadros de la obra establece un vínculo de continuidad entre ellos, ganando progresivamente mayor sentido crítico. La coincidencia en la apertura y cierre de la trama consigue el efecto de envolver todo el contenido a partir de una idea clara y transparente.

Las situaciones presentadas a lo largo de la obra son un remedo de las que censuró Cervantes en su tiempo, con la circunstancia de que ahora son más conocidas, e incluso se multiplican de tal forma que es fácil encontrarlas en todos los órdenes de la vida. El miedo a no formar parte de la opinión mayoritaria, que nos aporta seguridad y nos evita asumir riesgos, es hoy día un lugar común teniendo en cuenta que la fuerza de las redes y los medios de comunicación virtual dificultan cada vez más la formación de un criterio independiente por la intensa operatividad de los pícaros contemporáneos, capaces de vender la nada aprovechándose del temor de la gente a la censura y la cancelación.

Francisco Javier Aguirre

LOS VIRTUOSOS. Crónica teatral

 

LOS VIRTUOSOS. Crónica teatral

El afiche de la obra ofrecida durante el pasado fin de semana en el Teatro de la Estación informa sobre la complejidad de su escritura, porque en ella han participado Inmaculada Alvear, uno de los actores, Daniel Martos, y el director del espectáculo, Luis Miguel González Cruz. 

Y ciertamente, esta producción de Teatro del Astillero resulta una obra compleja, abigarrada, vistosa y muy sugerente. La pieza, que transita entre la fantasía, la celebración, la mítica y una comicidad de amplio espectro, cultiva la chanza sin llegar al sarcasmo. Plantea una utopía que redunda en torno a la IA y al riesgo de que esta ocasione la muerte del teatro tal como ha venido haciéndose desde hace siglos. 

Chema Ruiz, Ángel Solo y el ya citado Daniel Martos elaboran un tejido argumental a partir de un viaje a la remota Cólquida en busca de una URL para poder navegar en el nuevo paradigma que impone la brutal transición tecnológica que nos invade. En clave de humor, los tres encarnan multitud de personajes con los que juegan sin pausa. Hay un sustrato de crítica burlesca a lo largo de una trama que va retratando a gente tan diversa como un cantaor, el rey de España, un torero, un legionario, un agente de aduanas, un capitán de barco o un camarero, entre un sinfín de roles a los que aúna la aventura que emprenden en memoria de quien fue su maestro en las artes escénicas, cuyas cenizas transportan en su estrambótico viaje a través del Mar Negro. 

La interpretación es impecable, denotando un dominio preciso del lenguaje y de la expresión corporal, dos de los elementos más valiosos de esta producción. Hay mucho humor explícito y bastante implícito, hay mucho juego y mucha interacción a lo largo del trayecto escénico que en algunas ocasiones cae en la reiteración innecesaria. La banda sonora es variopinta, como lo es la acción, ofreciendo desde pasodobles a fragmentos de ópera wagneriana, siempre muy adecuada a las situaciones descritas y a los gags utilizados.

Francisco Javier Aguirre

CASA DE MUÑECAS. Crónica teatral

 

CASA DE MUÑECAS. Crónica teatral

Con siglo y medio de antigüedad, la obra teatral más conocida de Ibsen ha sido interpretada infinidad de veces en las tablas, y en varias ocasiones filmada para ofrecerla a través de la televisión. A lo que hay que añadir las producciones cinematográficas realizadas en varios países (Inglaterra, México, Argentina, España, USA) con el mismo argumento. Por lo cual se supone que gran parte de los aficionados al teatro conocen la trama de la obra desde hace tiempo, dependiendo de la edad de cada uno.

Todo ello implica que, aunque el dicho popular afirme que las comparaciones son odiosas, sea inevitable establecerlas cuando se contempla una nueva versión. La realizada por Eduardo Galán, que ha adaptado Lautaro Perotti para la compañía Secuencia 3, además de dirigirla, se ha ofrecido en el Teatro de Las Esquinas, el pasado sábado, día 10, en doble sesión, sigue con bastante fidelidad la trama original aunque situada en la actualidad, porque la acción se desarrolla en 2024 y se utiliza el teléfono móvil como elemento de comunicación, el cual interviene en la resolución del drama.

Una resolución que aparece escasamente motivada a lo largo de la obra, en la que se echa en falta una dramaturgia más robusta, más definida. La interpretación de los personajes adolece de peso dramático, a excepción del proceloso Óscar, el empleado que va a ser despedido de su trabajo, quedando un tanto desdibujada la presentación y desarrollo del conflicto matrimonial que desemboca en el impactante portazo final de Nora. La obra de Ibsen se ha considerado siempre como una de las aportaciones iniciáticas al feminismo, cuestión que queda un tanto diluida en la versión de Galán. 

La escenografía móvil de Lúa Quiroga está bien planeada, por cuanto contribuye a representar en cierto modo la tensión continua y la inquietud creciente de las que adolece el texto, que también consigue reforzar con su áspera ambientación sonora la música de Manu Solís.

Francisco Javier Aguirre

MIHURA, EL ÚTIMO COMEDIÓGRAFO. Crónica teatral

 

MIHURA, EL ÚTIMO COMEDIÓGRAFO. Crónica teatral

La historia se repite. Tuvieron que transcurrir algo más de veinte años para que una de las obras capitales de Miguel Mihura, ‘Tres sombreros de copa’, fuera aceptada por los aficionados al teatro a partir de una iniciativa de jóvenes universitarios del TEU, entre los cuales se encontraban personajes que posteriormente tuvieron enorme relevancia en el arte de Thalía, como Gustavo Pérez Puig, Gemma Cuervo, José María Prada, Agustín González, Fernando Guillén o Juanjo Menéndez, entre otros. 

La historia se repite, porque la escasa afluencia de público al Teatro Principal –al menos en los tres primeros pases de los pasados días– para disfrutar de la obra con que Adrián Perea ha rendido un homenaje al mencionado comediógrafo, fallecido en 1977, testimonia la falta de interés por los planteamientos novedosos sobre la escena. Algo que a menudo ha caracterizado a quienes han innovado en cualquier ámbito del espectro cultural, y no solo en nuestro país. 

La trayectoria de la obra citada, desde su concepción en 1932 hasta su estreno en 1952, es teatralizada con ingenio y eficacia por un elenco de siete artistas bajo la dirección de Beatriz Jaén, que consigue mantener un ritmo interpretativo de buen nivel, creciendo en interés a medida que avanza la representación. Hay una gran honestidad en la puesta en escena, al mismo tiempo que un riesgo considerable al dividir al protagonista entre dos actores, uno que asume el rol de la persona y el otro el del personaje. El resultado llega a sorprender y se consolida a lo largo de la obra, lo cual arranca encendidos aplausos del público entendido.

Interpretación muy notable por parte de los cuatro actores y de las tres actrices, con una escenografía muy sugerente, una dramaturgia ágil y una banda sonora bien estudiada.

Francisco Javier Aguirre

UN MONSTRUO VIENE A VERME. Crónica teatral

 

UN MONSTRUO VIENE A VERME. Crónica teatral

La Fundación Teatro Joven, ‘LAJOVEN’, presenta durante esta semana en el Teatro Principal su producción ‘Un monstruo viene a verme’, basada en la novela de Patrick Ness, que ha versionado David R. Peralto y dirige José Luis Arellano García. Es el inicio de una larga gira que llevará la obra por media España durante el primer semestre de 2026. 

El estreno en Zaragoza, destinado a todos los públicos a partir de los 10 años, se ha programado a las 19 horas para facilitar la asistencia de la gente joven, sobre todo de los adolescentes, porque la intención de la obra es abrirles la sensibilidad y apuntalar su fortaleza para que puedan hacer frente a sus miedos y a las realidades circundantes.

La trama reúne situaciones penosas, como el bullying escolar, la familia desestructurada, las tensiones generacionales, la enfermedad y sus secuelas psicológicas, y finalmente la muerte de una persona tan significada como la madre, que el protagonista, el joven Conor, ha de afrontar con entereza.

Una escenografía que combina la simpleza con la complejidad reúne también significados simbólicos derivados de la presencia del articulado tejo medicinal que se alza amenazador en el tercer plano del escenario. Hay que resaltar el acierto de la música de Alberto Granados que subraya la emotividad subyacente a toda la obra.

La interpretación de los actores es consistente, destacando Elisa Hipólito como protagonista, así como el monstruo que obsesiona y atemoriza con sus relatos trágicos a Conor a las 00,07 de la madrugada, hora que también marcará la muerte de su madre. La pieza tiene un par de referencias al teatro musical en las voces de varios de los actores.

El día del estreno, y a pesar de adelantarse la función una hora respecto a lo habitual, no abundó el público juvenil, tal vez al tratarse de una jornada lectiva. Es de esperar que durante el fin de semana aumente la afluencia.

Francisco Javier Aguirre

YO SOLO QUIERO IRME A FRANCIA. Crónica teatral

 

YO SOLO QUIERO IRME A FRANCIA. Crónica teatral

Hace poco más de un mes, el 5 de noviembre, actuó en el Teatro de Las Esquinas la veterana compañía murciana Alquibla Teatro 40 Actos con una obra, titulada ‘Lo más hermoso todavía’, en la que se planteaba una situación similar a la que da origen a la pieza dramática en la que la actriz María Galiana aparece en escena después de muerta. Esperanza Clares, de Alquibla, era Isabel, había fallecido recientemente y en su entorno se desarrollaban vibrantes episodios que consolidaban de ese modo la tercera entrega de la ‘Trilogía del camino’, una obra de Alba Saura Clares.

En esta ocasión, en el mismo escenario, la trama arranca de modo similar: la protagonista, Pilar, ya fallecida, se encuentra durante su velatorio en la encrucijada de que su vida vaya siendo destejida por dos nietas, Leo e Inés, que acaban de conocerse al tener que sustanciar asuntos hereditarios. Se suma a la acción la madre de ambas, Marisol, de nombre alternativo Nieves, también fallecida, por lo que la historia se desarrolla en dos niveles, el real y el virtual que, aun siendo simultáneos, no conectan entre sí por razón de su propia naturaleza.

El espectador asimila esta situación, con ribetes de farsa y ciertos guiños cómicos, sorprendido por la facilidad con que la autora y directora escénica, Elisabeth Larena, combina ambos planos de una forma coherente dentro de su irrealidad. Entre las escenas del velatorio actual, que ocupa el eje de la obra, se intercalan episodios antiguos estableciendo una escala de causa-efecto que explica el presente a partir del pasado.

La reiterada referencia a Francia es todo un símbolo de la huida, actitud vital que subyace a toda la historia, en la que las cuatro protagonistas acaban identificándose en su búsqueda de la libertad.

A destacar la extraordinaria vitalidad de María Galiana, quien a sus 90 años cumplidos exhibe una elocuente vis dramática que encaja a la perfección con el desarrollo de esta obra en la que la autora y directora, actriz también, ha rescatado su propia memoria familiar.

Francisco Javier Aguirre

 

LA REINA DE LAS NIEVES. Crónica teatral

 

LA REINA DE LAS NIEVES. Crónica teatral

Avisa el programa cuatrimestral del Teatro Principal que ‘La reina de las nieves’ es una versión contemporánea teatral y musical del cuento original de Hans Christian Andersen. Añade que se trata de una producción para todos los públicos, la cual rescata la pureza y la ternura que posee la literatura de los cuentos al llevarlos al teatro.

Con esa intención, la de ofrecer un espectáculo para niños y adultos, la hora se ha adelantado a las 7 de la tarde, cuando lo habitual son las sesiones a las 8. Sin embargo, bien sea por las fechas vacacionales o por su perspectiva próxima, en las primeras sesiones no se ha podido reunir a un suficiente núcleo de público infantil y juvenil en las butacas del Teatro.

La versión que se está ofreciendo durante diez días, en la primera quincena de diciembre, contiene los alicientes del canto y la danza ensamblados con la peripecia teatral que desarrollan Irene Camacho, como Gelda, Nacho Zorrilla, como Kai y una exótica Reina de las nieves personificada por la taiwanesa Hichi Chiu.

A este triángulo base se unen otros personajes, como la hechicera, la corneja, la bandolera y el reno, todos ellos bajo la dirección de Triana Lorite cuya dramaturgia pretende no solo actualizar sino incluso retrotraer la obra a su origen compositivo en el sentido de que Andersen, al mismo tiempo que dramaturgo, fue un hombre aficionado a la música y hasta ejerció como cantor.  La directora ha añadido la danza como elemento aglutinador de la trama narrativa, que discurre de una forma sutil y poética para ensamblar bien con la fábula, aportando innovaciones como la forma gestual del butoh y las inflexiones del flamenco.

Cada uno de los personajes ha realizado una intensa preparación para conseguir trasladar a una modernidad compleja lo que surgió de una mente igualmente compleja, aunque en otra dimensión.

Francisco Javier Aguirre