PEQUEÑAS TRAGEDIAS. Crónica Teatral

 

PEQUEÑAS TRAGEDIAS. Crónica Teatral

Aleksandr Pushkin ha sido nombrado padre de la literatura rusa moderna, considerando como tal la surgida a partir del siglo XIX. Su giro hacia Occidente le dio a conocer las obras de autores europeos, y al mismo tiempo algunos personajes míticos a los que retrató a su manera en la obra cuatripartita titulada ‘Pequeñas tragedias’ para analizar  con crudeza las pasiones humanas más destructivas: el amor irracional,  el engaño, los celos, la avaricia y la envidia.

Su versión de personajes como Don Juan, Harpagón o Fausto, así como de las conflictivas relaciones entre Mozart y Salieri, han servido a Iguana Teatre para componer una adaptación ingeniosa de las cuatro piezas, que presentaron en el Teatro de las Esquinas el viernes, día 28, dentro del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza.

Dirigidos por Pere Fullana, los actores Rodo Gener, Carles Molinet y Marina Nicolau ofrecieron una sorprendente interpretación de la obra de Pushkin, adaptándose con maestría a los diversos personajes que componen la tetralogía. La versatilidad del gesto, la elocuencia de la palabra, la precisión del movimiento y la gestión de la compleja escenografía diseñada por Jordi Banal dieron como resultado una sesión de alto voltaje dramático. Vistoso y apropiado el vestuario de los actores, y muy expresivo el atrezo o utilería del espectáculo. 

La libertad creativa del autor de los textos resulta asimilada y recrecida en la versión de Iguana Teatre incorporando elementos de las nuevas tecnologías. Particularmente significativo fue el uso de la criogenización en 'El invitado de piedra', sorprendiendo igualmente el final de la obra. También resultó muy acertada la transición de 'El caballero avaro' a 'Mozart y Salieri', a través del hieratismo post mortem con el que concluye la primera de estas dos piezas. 

En el coloquio con los actores tras la representación, quedaron claros algunos de los recursos utilizados y se explicó cómo a través del impacto gestual puede escucharse una composición que transcurre en silencio para el espectador, como es el Requiem de Mozart.

Francisco Javier Aguirre

SOÑANDO DULCINEA. Crónica Teatral

 

SOÑANDO DULCINEA. Crónica Teatral

La segunda sesión del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza tuvo como protagonista a la compañía salmantina La Befana Teatro, personificada en la actriz Nuria Galache, que ya había actuado en las primeras andaduras del zaragozano Teatro de Las Esquinas hace más de una década. 

El personaje de Dulcinea evoca con su solo nombre todo un universo de significados. A partir de él, Nur Sánchez ha construido un monólogo múltiple, puesto que la actriz personifica no solo a la fantasía emocional de Don Quijote, sino también al propio caballero andante, a su escudero Sancho Panza, a la aldeana Aldonza Lorenzo idealizada por el hidalgo, y también a uno de los personajes más sugerentes, por moderno, de la considerada obra cumbre de la literatura española: el que retrata a la pastora Marcela, sobre la que la pieza teatral emanada de la novela de Cervantes pone mucho énfasis como antecedente del actual desarrollo del feminismo. 

Sobre una escenografía muy sugerente, obra de Alejandro Contreras, Nuria Galache se desenvuelve con la soltura que da el oficio, tanto en el orden gestual como en el verbal. A destacar la utilización de su melena para hacer el tránsito de uno a otro de los personajes que encarna.

La banda sonora de Beatriz Serrano, que recurre a motivos alejados del mimetismo temporal  cervantino para conseguir una dimensión cronológica en la que caben múltiples interpretaciones, subraya momentos de gran intensidad emocional en el trayecto narrativo de la obra. Allí aparecen fragmentos de la música renacentista, de Vivaldi, Grieg, Mahler, el tango… reforzando cada uno de los episodios más significativos del desarrollo dramático. Profundizar en ellos, escapa a las dimensiones e intención de este comentario.

El coloquio posterior con la actriz, participando buena parte del público asistente, sirvió para profundizar en varios aspectos de esta original versión de El Quijote.

Francisco Javier Aguirre

LAS BINGUERAS DE EURÍPIDES. Crónica Teatral

 

LAS BINGUERAS DE EURÍPIDES. Crónica Teatral

 

El estreno de la comedia ‘Las bingueras de Eurípides’, en el Teatro de Las Esquinas, ha marcado el inicio del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza.

Bajo la dirección de José Troncoso, la compañía Las Niñas de Cádiz ofreció el miércoles 26 una versión cómica de la obra de Eurípides debida a la pluma de Ana López Segovia, con una versificación estilizada y una realización brillante por parte de los intérpretes, cuatro mujeres y dos hombres.

El espectáculo se desarrolla como un tronco escénico del que van saliendo diferentes ramas anecdóticas a partir del descenso a Cádiz de Dionisio, el dios de los festejos y la chanza, en forma de mujer. Dionisia organiza un bingo clandestino que sirve de pantalla para facilitar la comunicación entre varias mujeres que comparten sus intimidades, sus alegrías y sus penas huyendo de una realidad triste y monótona, y desoyendo al mismo tiempo la normativa oficial que prohíbe aquellas reuniones. Un policía, al que denominan El Suasenaguer, acompañado de Servando, su subordinado, intenta desbaratar el plan mediante una estratagema que provoca un final trágico. 

El montaje de la obra está lleno de aciertos en cuanto a la descripción de ambientes y el desempeño de los intérpretes, expertos en el uso de la mímica y de la expresividad verbal. El enfoque se centra en la eterna lucha entre lo apolíneo y lo dionisíaco, girando alrededor de este mundo tan cotidiano como delirante, donde lo tierno y lo salvaje se dan la mano. Las protagonistas, pasados los cincuenta, comienzan a tratar a la vida de tú a tú, por encima de convencionalismos, aparentemente sumisas, pero profundamente rebeldes.

El guión de Ana López Segovia, que también interviene en la interpretación, está lleno de giros lingüísticos con la gracia característica de las chirigotas gaditanas trasladadas a una noche de Navidad en la que van a ocurrir sucesos inesperados. 

El aforo completo del Teatro de Las Esquinas, donde prosigue el Festival hoy, jueves 27, y mañana, viernes 28, refleja el interés del público por este tipo de montajes donde se combinan lo clásico y lo moderno.

Francisco Javier Aguirre

 

ESCENARIOS VERANIEGOS. Crónica Teatral

 

ESCENARIOS VERANIEGOS. Crónica Teatral

Recién inaugurado el verano astronómico, son muchos los lugares de Aragón donde se programan actividades teatrales para disfrute de sus habitantes y de sus visitantes. Pero también la capital, Zaragoza, aprovecha la circunstancia del fin del curso para mostrar los logros de sus Escuelas teatrales. Tanto la municipal como las gestionadas por empresas privadas han ofrecido a la ciudadanía el resultado de su esfuerzo durante el curso 2023-2024. Es reconfortante comprobar cómo va creciendo cada año el interés de niños, jóvenes y adultos aficionados por expresarse colectivamente mediante el arte de Thalía.

Sin poder describir detalladamente cada una de las obras, por la proliferación de la oferta teatral en los tres principales escenarios privados de la ciudad, hay que destacar el ciclo desarrollado por el Teatro Arbolé durante los días14 a 16 junio en el programa ‘Muestra de la Escuela’ a cargo de Esther Pérez, Yanet Carrasco, Nuria Herreros, Azucena Roda, Julia Juárez y Luisa Peralta. A tener en cuenta el programa ‘Mutea’ que contará con nueve sesiones a partir del 20 de julio.

En el Teatro de la Estación está siendo la segunda quincena de junio la que acoge los resultados del aprendizaje, durante el curso que acaba, en el ciclo ‘¡A escena!’, dirigido por los profesionales y profesores de la Escuela Miriam Prieto, Paula Navarro, Ana Rut Serrano y Jesús Bernal, destinado a todo tipo de público, con especial dedicación a padres y familiares de los actores noveles.

Y en la más reciente de las empresas locales, el Teatro de Las Esquinas han sido los profesores Marian Pueo, Sergio Jabaten, Laura Tejero, Marta Notivoli, Laura Marco, Carlos Espejo, Ana Garcés, Gema Cruz, Clara Lapetra, Olga Arnal, Alberto Salvador, Esmeralda Gómez Souto, Lucía Grafal,  Céline Rainoird y Guillermo Garralaga, quienes han guiado la expresión corporal, gestual, musical y vocal de la Escuela de Teatro con representaciones al alcance de los distintos niveles de edad desde el 3 hasta el 25 del presente junio en un denso programa denominado '¡Locos por mostrar!'. 

Aplausos a organizadores, directores y actores aficionados porque han ofrecido a la ciudadanía la oportunidad de disfrutar de sus esfuerzos a lo largo de todo el curso escolar.

Francisco Javier Aguirre

 

EL PADRE. Crónica Teatral

 

EL PADRE. Crónica Teatral

El éxito en el mundo literario se logra a menudo partiendo de una situación ordinaria y consiguiendo hacer de ella una versión extraordinaria. Esta fórmula, que se aplica tanto en el mundo contemporáneo como en tiempos pasados, es la que ha utilizado Florian Zeller para construir su visión de un fenómeno tan frecuente como la decrepitud cognitiva que afecta a muchos seres humanos. Algo perceptible en la actualidad a medida que ha ido creciendo la edad promedio en nuestro mundo, sobre todo en los países presuntamente desarrollados desde el punto de vista económico y sanitario. 

El dramaturgo francés concibió en 2012 la obra que, durante este fin de semana, se está ofreciendo en el Teatro Principal de Zaragoza por la compañía Teatre Romea, bajo la dirección de Josep Maria Mestres, con el protagonismo destacado de José María Pou. Ya  en 2016 fue Héctor Alterio quien personificó al anciano Andrés, bajo la dirección de José Carlos Plaza, causando un enorme impacto entre los atentos a las novedades escénicas. La obra había desbordado las fronteras de su origen francés, alcanzando versiones en medio centenar de países. En Zaragoza fue también en el Teatro Principal donde se pudo disfrutar en tres funciones, del 10 al 12 de junio de ese año, participando en el estreno la actriz aragonesa Ana Labordeta.

Por si fuera poco, en 2020 el propio Florian Zeller realizó una versión cinematográfica de su propio guión teatral, contando con el incomparable Anthony Hopkins como protagonista, a quien Olivia Colman da la réplica como Ana, la hija, principal antagonista de la historia. La única diferencia es que el episodio se desarrolla en Londres, en lugar del París original, debido a la producción británica del filme.

Cuando se conoce este, situación frecuente por haber conseguido un Óscar al protagonista y otro al mejor guión adaptado, además de varias nominaciones por otros méritos, la contemplación de la obra teatral viene acompañada por las imágenes de su versión cinematográfica; también por el poderoso impacto de la versión de José Carlos Plaza, ya comentada, en nuestro foro.

Lo cual no resta méritos en ningún sentido a la pieza dirigida por Mestres y protagonizada por el extraordinario elenco que encabeza José María Pou, al que hay que añadir una puesta en escena magnífica, tanto por el diseño del espacio con paneles móviles como por el rigor de la escenografía, que expresa de forma rotunda la pérdida del sentido de la realidad que nos acecha a todos, y no solo por cuestiones de cronología.

Francisco Javier Aguirre

LA VIDA ES SUEÑO. Crónica Teatral

 

LA VIDA ES SUEÑO. Crónica Teatral

Cuando uno acude a la representación de fin de curso de una Escuela de teatro, sabe que se va a encontrar con aprendices de actor. Eso supone dos cosas, la primera es la posibilidad de que existan fallos; la segunda se refiere a la dramaturgia y el montaje que van a utilizarse, que seguramente incluirá novedades.

En el drama de Calderón de la Barca que fue el elegido por Blanca Resano para ser representado por los alumnos de segundo curso de la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza, solo se dio la segunda circunstancia, es decir la novedad de la dramaturgia y el montaje. 

Aunque la profesora del Centro y directora del espectáculo advirtió antes de iniciarse, la posibilidad de que hubiera fallos o algunos titubeos, la realidad mostró un grupo muy bien consolidado, con una estudiada interacción, gran claridad expositiva y un ritmo sin fisuras. Dentro de una tónica alta en general, destacó la actuación del actor que personifica a Clarín, en su papel de bufón, con unas sorprendentes cabriolas y piruetas, además de una muy bien estudiada expresividad verbal.

Respecto a la novedad en cuanto a la dramaturgia y el montaje hay que decir que fue acertado, teniendo en cuenta que la mayoría de los alumnos eran mujeres y que el diseño de alternar, compartir, simultanear o suplir  personajes funcionó bien, todo ello apoyado por la música en directo al violín que completó una banda sonora muy sugerente.

La función presentada en el Teatro del Mercado, el martes día 11, va a tener una segunda edición este miércoles, día 12. Desde ahora, tanto profesores como espectadores vamos a estar a la espera de que el grupo desarrolle durante el próximo curso las técnicas adecuadas, augurando que la obra fin de carrera en la Escuela Municipal de Teatro, el próximo año, sea cual fuere la elegida, consagrará a estos actores y actrices en la hermosa tarea de la representación, docencia, gestión, escritura o dirección teatral, prosiguiendo la consolidada trayectoria de este territorio en esas materias.

Francisco Javier Aguirre

 

LA MADRE. Crónica Teatral

 

LA MADRE. Crónica Teatral

La vida es un vector en una sola dirección, asegura un principio filosófico. Y Khalil Gibran, poeta, filósofo y artista libanés, tiene un hermoso poema que comienza diciendo

'Tus hijos no son tus hijos,
son hijos e hijas de la vida,
deseosa de sí misma.

'No vienen de ti,
sino a través de ti,
y aunque estén contigo,
no te pertenecen'.

Estos argumentos esenciales y existenciales los contradice la experiencia del ‘nido vacío’ cuando se convierte en patología. Eso ocurre en ‘La madre’, la obra de Florian Zeller que, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher, se ofrece durante este fin de semana en el Teatro Principal de Zaragoza.

Aitana Sánchez-Gijón, como Ana, es la madre desequilibrada que no soporta la ausencia de su hijo Nicolás, a quien da vida escénica Alex Villazán, y mantiene una pugna constante con su marido, interpretado por Juan Carlos Vellido, participando también Jùlia Roch en el papel de la novia de Nicolás. 

Ya la presentación de la obra es impactante con la protagonista paseando meditabunda por el escenario un cuarto de hora antes de que comience la función que estalla en un estruendoso inicio sonoro, diseñado por Joan Miquel Pérez, con reiteraciones y variantes que marcan el cambio del tiempo y el espacio.

La reiteración es una estrategia que el propio Florian Zeller incluye en su dramaturgia para mostrar el desequilibrio de la protagonista, que confunde el antes y el después de forma permanente, vivencia situaciones fantaseadas y que incluso al final da a entender un supuesto crimen a manos de su hijo. 

El escenario muestra un muro blanco con una fractura simbólica, que en determinado momento estallará para mostrar la ruptura total de la vida de la protagonista, ingresada en un hospital como consecuencia de su paroxismo patológico.

La interpretación del conjunto actoral está muy estudiada y consigue mantener en vilo al espectador, consciente de que está sometido a un juego de significados más allá de la anécdota.

No existe didactismo alguno en la trama, sino una cruel exposición de los límites humanos para asumir la soledad, el vacío y el paso del tiempo.

Francisco Javier Aguirre

 

EL JARDÍN DE VALENTÍN. Crónica Teatral

 

EL JARDÍN DE VALENTÍN. Crónica Teatral

Son varios los elementos que pueden sorprender de entrada a quien acude al zaragozano Teatro del Mercado para contemplar la obra simbólica ‘El jardín de Valentín’ que ha montado la compañía aragonesa Tranvía Teatro bajo la dirección de Cristina Yáñez, quien se ocupa al mismo tiempo de la dramaturgia. 

Uno de ellos es que son tres los personajes, 'casi como tres clowns' (así se definen en el anuncio del espectáculo) que van a intervenir en la obra. Y sí son tres personas,  pero una de ellas no actúa, Alicia Callejero, aunque sí permite actuar a la música en directo a partir de un piano que de esa forma se convierte simbólicamente en un personaje, con todo lo que ello conlleva. La personificación de la música daría para un extenso comentario que no procede aquí. Quienes realmente actúan, en el sentido ordinario del término, son Javier Anós y Daniel Martos, que hacen una interpretación magnífica, de dicción impecable y de meticuloso control de los recursos escénicos. 

La  trama es un paradigma del planteamiento surrealista de la vida, con un lenguaje de retórica exacta, que sorprende por la ilación de las ideas y la precisión de los conceptos. Los personajes, que carecen de nombre propio, aspiran a conseguir la libertad, incluso de sí mismos, de sus costumbres, de sus contradicciones, de sus condicionamientos. Se trata de una comedia creada a partir de textos de Karl Valentin y de Rafael Campos, quien a su vez se ha inspirado en los personajes de ‘Mercier y Camier’, la novela de Beckett. Se mezclan referencias al teatro del absurdo con otras cercanas al cabaret. La pieza dramática nos plantea varios interrogantes acerca de la realidad que estamos viviendo, llena de incertidumbres, y en ocasiones próxima a la ciencia ficción.

La contraposición de la vida dentro del jardín circular donde han desembocado los personajes, frente a la existencia que llevan ‘los de afuera’ hace girar el espectáculo en órbitas filosóficas de alto nivel discursivo. La obra es exigente tanto para los actores como para los espectadores. Induce a la reflexión y a la toma de conciencia mientras los intérpretes giran interminablemente, con seguridad y contundencia, expresando unas ansias y unos deseos que en determinado momento se atreven a experimentar.

Quien lo intenta, resulta defraudado y ha de regresar al jardín, tras comprobar que ‘los de fuera’, empeñados muchas veces en guerras absurdas, no dan síntomas de tener los recursos suficientes para poner remedio a los males del mundo actual.

Francisco Javier Aguirre