sábado, 26 de octubre de 2024

TESTIGO DE CARGO. Crónica Teatral

 

TESTIGO DE CARGO. Crónica Teatral

La representación plástica de una narración destinada originariamente a la lectura, como es el caso del relato ‘Testigo de cargo’, de Agatha Christie, plantea siempre algunas dificultades. Billy Wilder la solventó con innegable éxito en su versión cinematográfica de 1957.

Durante esta semana ha sido el Teatro Principal quien ha ofrecido la traslación escénica de este conocido caso de debate judicial en torno a un crimen. Octubre Producciones ha presentado la versión de Roberto Santiago, bajo la dirección de Fernando Bernués, con un reparto de lujo encabezado por Fernando Guillén Cuervo.

El resultado es espléndido por cuanto en ella se tratan temas esenciales como la toxicidad de las relaciones de pareja, la manipulación de las personas que amamos, la felonía o los límites de la justicia. Con una escenografía mínima en cuanto a lo material y una múltiple aportación de imaginería virtual en la que van diseñándose los diferentes momentos álgidos de la trama, se consigue trasladar al público la tensión narrativa del relato que, no por ser conocido el giro argumental con que concluye, pierde fuerza expresiva.

A ello contribuye la implicación de los actores, la ambientación audiovisual y la propia presencia de un público atento que está arropando con un lleno absoluto cada una de las cinco sesiones programadas en nuestro histórico recinto. Se trata de una propuesta  conectada plenamente con nuestra sensibilidad como espectadores actuales, como afirma Roberto Santiago al sintetizar la versión realizada.

El único elemento que podría mejorarse, en cuanto a la puesta en escena, se concretaría en una mayor duración de las proyecciones narrativas en pantalla que describen el ambiente y los avatares del caso. 

Francisco Javier Aguirre

           

 

jueves, 24 de octubre de 2024

CUERDA. Crónica Teatral

CUERDA. Crónica Teatral

El Teatro de Las Esquinas se ha sumado a la celebración del mes mundial de la salud mental programando la obra ‘Cuerda’, de Béatrice Fulconis. Ha contado para la ocasión con ASAPME, Asociación Aragonesa Pro Salud Mental, que celebra sus cuarenta años de existencia.

La compañía vallisoletana Teatro del Navegante, con tres lustros de trayectoria dedicados a poner de relieve problemas de impacto social, bajo la dirección de Xiqui Rodríguez, que junto a Beatriz Fulconis interpretan este relato-reflexión sobre los avatares de la salud mental en el mundo contemporáneo, propone un regreso simbólico a uno de los personajes más estigmatizados de la historia de España: Juana I de Castilla, hija de los Reyes Católicos, apodada ‘La loca’, cuya tragedia personal ha sido objeto de numerosas interpretaciones hasta dar lugar a una nueva denominación, la esquizopsiquia. 

La trama nos plantea los avatares de una empresaria de la alta sociedad que es impulsada por su familia a internarse en un centro holístico de recuperación para acabar con su sus problemas mentales y recobrar la cordura, para tornarse ‘cuerda’, término que da sentido al título de la obra. Lo singular de esta producción dramática es que la propia autora e intérprete ha padecido ese problema mental y, según su propia confesión en el coloquio posterior, sigue tratándose con profesionales expertos en su dolencia.

Hay un juego realista mediante la intervención en vídeo de otros personajes que padecen o han padecido el estigma, como la reconocida actriz Lola Herrera que manifiesta su propia experiencia, dando de esta forma cierto alivio a la densa trama que se desarrolla durante varios años en sucesivas etapas, a veces fugaces y en otras ocasiones de una intensidad inusitada. Muy acertadas la ambientación, la tramoya y la banda sonora, además de los recursos videográficos que orientan al espectador sobre la trayectoria del tratamiento aplicado a la protagonista.

Estaba previsto en el programa un coloquio posterior con los intérpretes y la directora de ASAPME, Ana López, que resultó de gran interés por cuanto buena parte del público asistente tenía relación directa o familiar con los problemas de la salud mental que parecen extenderse de forma imparable en el mundo contemporáneo.

Francisco Javier Aguirre

 


domingo, 20 de octubre de 2024

MEDEA A LA DERIVA. Crónica Teatral

 

MEDEA A LA DERIVA. Crónica Teatral

El gesto sustituye al texto al comienzo de la interpretación que ofrece Amelia David de la novela gráfica de Fermín Solís en una dramaturgia de Isidro Timón que dirige la obra, producida por Maltravieso Teatro, la compañía extremeña que está presentando su montaje este fin de semana en el Teatro de La Estación.

Escenografía impactante, limitada a un témpano de hielo sobre el que viaja la desdichada Medea huyendo de sí misma, de su tragedia, de los mortales y de los inmortales, esos dioses que la han condenado a la propia eternidad que ellos disfrutan, pero que la asesina de sus hijos y de su marido padecerá eternamente. 

Luego está la música, el marco sonoro a cargo de Lorenzo González, un elemento relevante en la representación que subraya, dramatiza y engrandece cada uno de los tramos de la trama. 

La obra gráfica de Solís, que ha merecido comentarios como «esta adaptación nos abstrae: un paisaje austero, entintado en tres colores tan gélidos como el blanco, el azul y el negro aportando templanza; salpicado de rojo en mínimas ocasiones para el sol y la sangre», o «no es fácil depositar toda la carga narrativa sobre un personaje; el monólogo resulta complejo de trasladar a la viñeta, pero Solís resuelve con extraordinaria brillantez la propuesta apelando precisamente a la fuente original teatral, a esa reflexión interior a la que el espectador asiste como callado voyeur», la personifica Amelia David con un despliegue de facultades sorprendente, tanto en la acrobacia de sus gestos como en la expresividad de su rostro y en la profundidad estremecedora de sus lamentos.

Esta versión libre de la tragedia que recopiló Eurípides, alude de forma directa al mundo contemporáneo cuando afirma que, 2.500 años después, la verdad es manipulada por el poder a su gusto y conveniencia.

El proceso de traslación de una obra gráfica al mundo escénico exige una atención meditada y constante por parte del espectador para captar toda la riqueza de su contenido simbólico.

Francisco Javier Aguirre

 

domingo, 6 de octubre de 2024

LAS QUE GRITAN. Crónica Teatral

 

LAS QUE GRITAN. Crónica Teatral

El arte dramático suele encontrar resquicios por los que filtrar sensaciones contrapuestas. Es lo que ocurre con la obra LAS QUE GRITAN, que estos días se está ofreciendo en el Teatro de las Esquinas, bajo la dirección de José María del Castillo, que también participa en la creación del texto.

Cuatro mujeres, una madre y sus tres hijas, interpretadas por actrices de renombre, dan cuerpo a una comedia reflexiva sobre las relaciones intrafamiliares. Comedia en toda regla, porque esa es la fórmula adoptada para contrarrestar la angustia que puede provocar la vivencia de la muerte inminente de Consuelo, la madre, que convoca a sus tres hijas en una casa rural de su propiedad para celebrar la despedida.

Rosario Pardo, Eva Isanta, Norma Ruiz y Pepa Rus componen una sucesión de cuadros colectivos donde los enfrentamientos y disensiones son el caldo de cultivo de la relación familiar, unas veces tensa y otras hilarante, al mismo tiempo que, saliendo de plano escénico común, cada una de ellas va expresando las singularidades de su personalidad en forma de un análisis despiadado de su trayectoria vital.

Cada una de estas confesiones suscita un encendido aplauso del público, valorando la capacidad de autoanálisis de los personajes, que ofrecen de este modo unas pinceladas dramáticas de alta graduación a lo que en su conjunto es una obra cómica.

Los instrumentos constructivos de LAS QUE GRITAN son de gran consistencia, desde el diseño de la producción hasta el vestuario y la ambientación musical, pasando por una escenografía que permite mediante técnicas audiovisuales la presencia virtual de otros personajes no incluidos en el reparto físico. Toda una muestra de por dónde puede caminar el arte de Talía en estos tiempos en los que se debaten los caminos del arte ante la inevitable invasión de la inteligencia artificial.

Francisco Javier Aguirre

lunes, 30 de septiembre de 2024

RUMBO DESCONOCIDO. Crónica Teatral

 

RUMBO DESCONOCIDO. Crónica Teatral

En los últimos meses, incluso años, está en auge el tema de la muerte. Es un decir, porque el asunto resulta una realidad presente en nuestras vidas de forma permanente a poco conscientes que seamos. Ocurre que postergamos esta realidad ineludible porque nuestra cultura la recluye de modo habitual en la habitación donde se alojan las penumbras en forma de tabú.

Hablando de la inmediatez, lo que realmente está de moda son las ECM, las experiencias cercanas a la muerte, que algunos doctores, entre ellos los conocidos Enric Benito y Manuel Sanz Segarra, difunden profusamente a través de conferencias y registros en las redes sociales. 

Este preámbulo procede en cuanto al tema de la obra con la que el Teatro de La Estación ha inaugurado su Temporada de otoño-invierno el pasado fin de semana. Una obra donde la muerte está presente, no solo como un horizonte que nos afecta a todos, sino también desde el punto de vista del bien morir, por lo que el enfoque de la trama, al margen de su halo de comicidad, incluye una reflexión filosófica que deriva hacia el testimonio documental, con la participación de ciudadanos que han asistido a los últimos momentos de sus seres queridos. 

‘Rumbo desconocido’ recoge los diálogos entre dos ancianos, Guillermo y Matilda, interpretados por Unai Baiges y Haizea Baiges, más la cantante Magnolia, a quien da vida Arrate Núñez que, además de ser personas mayores, son conscientes de que en algún momento les llegará el final y recapacitan sobre ello.

Arantxa Iurre dirige la obra montada por la compañía vasca Utopian, que en las funciones presentadas en Zaragoza ha contado con la participación documentada de María Pilar Cervera, María Guerrero, Diana Aristizánal y María José Ochoa, quienes aportan sus respectivas experiencias testimoniales. 

Una obra apoyada en el simbolismo del Juego de la Oca, con una interpretación muy matizada por parte de los actores, sobre una escenografía sencilla pero elocuente, que provoca una reflexión serena y ejemplifica actitudes útiles ante la muerte para cualquiera de nosotros.

Francisco Javier Aguirre

 

miércoles, 25 de septiembre de 2024

3 HERMANAS. Crónica Teatral

 3 HERMANAS. Crónica Teatral

La puesta de largo de la Nova Compañía, creada por el Teatro del Temple como preámbulo a la profesionalización plena de sus componentes, es un acontecimiento relevante en el panorama escénico, no solo de Aragón, sino de todo el país y del ámbito hispanohablante.

Para su primera presencia pública se ha escogido una obra densa, compleja y de larga trayectoria, “3 Hermanas”,  puesto que la versión original de Antón Chejov fue estrenada en 1901. Ahora, adaptada por Alfonso Plou, se nos acerca en el tiempo, situando la acción en los antecedentes de la invasión de Ucrania por Rusia, pero no solo en el fondo cronológico, sino incluso en la forma, simbolizada en la aparición de un patinete eléctrico en el escenario. 

Bajo la dirección de Carlos Martín, el Teatro de Las Esquinas ha programado tres sesiones, los días 24, 25 y 26 de septiembre para dar mayores opciones, tanto a los actores como a los espectadores. Para los primeros, en una etapa de formación muy avanzada, enfrentarse a un texto bien elaborado y a una trama muy compleja es todo un reto, que han superado con suficiencia, sobre todo en el plano interpretativo.

El ensamble entre los sucesivos episodios y los variopintos personajes del drama es mejorable, como todo en la vida, pero hay que destacar la claridad de dicción común a todos los intérpretes. El episodio de la borrachera del médico militar resultó especialmente bien diseñado el día del estreno.

Merecen una mención personalizada los intérpretes de la obra: Alex Aldea, Fany Gijón, Javier Guzmán, Blanca Láinez, Laura Lúa, Luisal Marcu, Jorge Rado, Rubén Remacha, Ignacio Viscasillas y Nuria Zapatería

Dar pasos firmes en la trayectoria profesional de los jóvenes artistas es el objetivo de esta iniciativa del Teatro del Temple, que ha comenzado con muy buen pie.

Francisco Javier Aguirre




viernes, 20 de septiembre de 2024

AQUELLAS MIGAS DE PAN. Crónica Teatral

 

AQUELLAS MIGAS DE PAN. Crónica Teatral

El Teatro de Las Esquinas ha ofrecido esta impresionante obra de Jennifer Halley para contribuir a la celebración del Día Internacional del Alzheimer, señalado para mañana, 21 de septiembre.

Bajo la dirección de Inma Cuevas, con Mónica Bardem y Carmen Ibeas como intérpretes, han iniciado en Zaragoza una gira destinada a concienciar sobre esta dolencia cada vez más extendida y compleja. Casi un millón de enfermos están diagnosticados en España a día de hoy.  Bajo el lema 'Una tarde para recordar', la propuesta se convierte en una función solidaria a favor de la Fundación Alzheimer España. 

La obra se autodefine como 'una luminosa historia que nos enseña que el único camino de vuelta es siempre hacia adelante'. La trama es simple en su arranque, pero va complicándose a medida que avanza la acción, hasta llegar a una explosiva complejidad, aminorada por el progresivo entendimiento entre los dos personajes, la enferma de Alzheimer y su cuidadora. 

Interpretaciones sobresalientes, tanto por parte de la veterana Mónica Bardem, perteneciente a la conocida estirpe de su apellido, como de la joven Carmen Ibeas, con una intensa trayectoria artística, además de ser la traductora del texto. Ambas consiguieron estremecer al público por la claridad y verosimilitud de su actuación, mostrando las alternativas de una dolencia sin remedio conocido hasta el momento.

Tanto el espacio escénico y la iluminación, como particularmente el espacio sonoro debido a Jordi Collet, contribuyeron de manera decisiva a crear en el espectador una sensación de serenidad a pesar de la crudeza del tema. 

Todos los espectadores fueron obsequiados con el libro Diagnóstico precoz de la enfermedad de Alzheimer, donde se recogen las ponencias presentadas en el Simposio celebrado en Madrid hace dos años.

Tras la representación escénica, se desarrolló un interesante coloquio sobre el tema del Alzheimer en el que participaron el elenco actoral, una doctora especialista en la dolencia, un cuidador en ejercicio y buena parte del público asistente.

Francisco Javier Aguirre

sábado, 7 de septiembre de 2024

EL BRUJO. MI VIDA EN EL ARTE. Crónica Teatral

 

EL BRUJO. MI VIDA EN EL ARTE. Crónica Teatral

Asistir a un espectáculo de Rafael Álvarez, ‘El Brujo’, es algo que imprime carácter, como se afirmaba, y tal vez se sigue haciendo, en relación con algunos actos sacramentales de la religión cristiana. La conjunción de la profundidad conceptual y de la comicidad inteligente está asegurada. Este espécimen artístico, único en su género, lo ha confirmado una vez más con su actuación programada este fin de semana en el Teatro de las Esquinas. Presentarse al público con el propósito de ‘explorar la nada’ representa un punto álgido de la audacia escénica, a pesar de que la práctica totalidad de los asistentes saben a lo que van. 

Acompañado por su habitual contrapunto sonoro, Javier Alejano, cómplice locuaz del espectáculo a pesar de su predominante silencio, El Brujo articula un discurso capaz de hacer confluir las vivencias místicas con las realidades mostrencas de la política contemporánea, capaz de convertir a San Juan de la Cruz en un héroe y un villano simultáneamente, capaz de enfrentar al 'poverello' Francisco de Asís con el imperio vaticano, dejando en evidencia las contradicciones que gobiernan nuestro piadoso sentido de la espiritualidad.

En el espectáculo comentado, Rafael Álvarez advierte que hoy y mañana (este sábado 7 y el domingo 8, donde va a seguir actuando en un Teatro de las Esquinas abarrotado), lo que vaya a ocurrir es impredecible porque va a depender de los asistentes. Es un reto difuso pero contundente, que sitúa al público en la tesitura de aplaudir o de mantener un silencio sepulcral para no perderse ni una sílaba del discurso del artista. Su gesto no es nunca repetitivo, sino introspectivo, porque ahonda en las emociones profundas que sustentan la atención de cada uno de los presentes.

La actuación de El Brujo se aparta por completo de los monólogos ordinarios, por extraordinarios que sean. Ha conseguido crear un género propio, más allá de su propio estilo, una manera peculiar de ser, de estar, de moverse, de reírse, de expresarse. Por ello puedo dar testimonio de que más de una persona va a intentar acudir a todas las sesiones actuales y futuras en las que Rafael Álvarez se deje gobernar por el público, algo de lo que él mismo alardea. ¡Qué genio!

Francisco Javier Aguirre

 

 

 

viernes, 6 de septiembre de 2024

FOREVER VAN GOGH. Crónica teatral

 

FOREVER VAN GOGH. Crónica teatral

Los autores se engalanan en sus Memorias y Autobiografías, pero se desnudan en su correspondencia privada cuando las misivas no están destinadas a la publicación. Este es el basamento literario sobre el que se ha construido la magnífica obra dramática con la que se ha iniciado, el jueves día 5, la celebración del 225 aniversario del Teatro Principal de Zaragoza. 

Las cartas que envió Vincent van Gogh a su hermano Theo, fueron recuperadas tras la muerte de ambos, y hoy son conocidas. Suponen varios centenares de propuestas, reflexiones, pensamientos, confesiones e intimidades entre dos seres que mantuvieron una intensa relación, incluso de dependencia económica por parte del mayor de ellos, Vincent, que ha quedado para la posteridad como uno de los mayores artistas de finales del siglo XIX. 

Sobre estas bases literarias, Ignasi Vidal ha elaborado unos textos altamente expresivos, trasladando varias de las cartas a la fórmula de diálogo entre los personajes de la obra. Aunque la trama se centre en los diez últimos años de vida del artista e incluya alguna circunstancia posterior, la esencia del pensamiento del protagonista queda clara a lo largo del espectáculo.

El fondo es un desfile de ideas filosóficas, políticas, religiosas, sociales, emocionales… y un retrato fidedigno de la compleja psicología del artista, que incluso lo llevó a ser ingresado en un manicomio.

Si el fondo es magnífico, no le va a la zaga la forma, es decir la multiplicidad de recursos utilizados, tanto visuales como audibles, para envolver la historia del genio prematuramente fallecido en un halo de verosimilitud al que contribuyen las técnicas más avanzadas de la inteligencia artificial. Todo el espectáculo está lleno de aciertos cuya enumeración resultaría prolija, de modo que únicamente señalaré un pequeño detalle que no perjudica en exceso el desarrollo de la obra: se trata de la precipitación con la que algunos actores desarrollan sus diálogos.

Aunque habría que citar a todos los componentes del estreno zaragozano, es imprescindible mencionar al coreógrafo Chevi Muraday y al músico Ara Malikian, quien ha compuesto una excepcional banda sonora, sin olvidar por supuesto a Simón García, el violinista que interpreta su partitura de forma magnífica.

 

Francisco Javier Aguirre

domingo, 7 de julio de 2024

CLITEMNESTRA. Crónica teatral

 

CLITEMNESTRA. Crónica teatral

Los griegos inventaron la modernidad. Lo hicieron en muchos ámbitos, sobre todo en el arte, la filosofía, la narrativa, la poesía, la comedia y la tragedia. Sus creaciones dramáticas siguen vivas y de ello son muestra las numerosas versiones realizadas en la actualidad en todos los escenarios del mundo. 

El Teatro de Las Esquinas ha culminado su IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza, 'Delicias Clásicas', con la tragedia de la reina Clitemnestra, en una versión de José María del Castillo a partir de la presencia del personaje en las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides, versión espectacular que ha puesto sobre las tablas la compañía madrileña Coribante, bajo la dirección del propio José María del Castillo.

Una explosión de sensaciones de alta graduación invade el escenario desde la presentación del drama, contagiando de inmediato a los espectadores con la multiplicidad de recursos y alicientes gestuales, vocales, rítmicos, coreográficos y musicales envueltos en la continua melodía oscura que transita a lo largo de toda la obra, elaborada con una profunda conciencia escénica por Alejandro Cruz Benavides. Las coreografías diseñadas por Benjamín Leiva son igualmente espectaculares.

Presididos por Natalia Millán, Ángeles Rusó, la aragonesa Camino Miñana, Daniel Moreno, Diana Anthea y Benjamín Leiva se multiplican decodificando infinidad de recursos, magnificando el cante flamenco, elevando a las alturas el zapateado, enarbolando velos y abanicos para envolver la trágica historia de una mujer víctima del patriarcado, símbolo de una situación aborrecible que aún perdura entre nosotros. El estandarte feminista que hoy ondula clamoroso por todas partes, lleva escrito en su eje a muchas heroínas, entre ellas a la mítica reina de Micenas, enfrentada a una situación opresiva presidida por su marido Agamenón, el rey, el despiadado héroe de Troya.

Un coro, elemento clave en la dramaturgia clásica, compuesto por los actores del reparto comparte y amplifica con ritmo y exactitud sorprendentes el mensaje de la tragedia.

Francisco Javier Aguirre

 

jueves, 4 de julio de 2024

ENIGMA SHAKESPEARE. Crónica Teatral

 

ENIGMA SHAKESPEARE. Crónica Teatral

La muerte preside el horizonte vital de los humanos, sean famosos o desconocidos. La muerte preside también el destino dramático de los protagonistas en la obra de Shakespeare. El propósito de encontrar los resquicios cómicos del bardo inglés, preside el intento de la compañía salmantina Teatro de Poniente, a través del texto de Antonio Velasco, que el miércoles, día 3, ofrecieron en el Teatro de las Esquinas, como cuarta entrega del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza denominado 'Delicias Clásicas'. Un propósito que cumplieron sobradamente Raúl Escudero, Inma Gamarra y el propio Antonio Velasco, implicado también en la dirección del espectáculo junto a Nathan L. Bamio.

La acción se desarrolla en las instalaciones del Teatro Globe, donde Robert Field y su compañía esperan la última obra del dramaturgo, con la que esperan alcanzar un gran éxito y saldar las enormes deudas de la empresa. Pero lo que reciben es la trágica noticia de su muerte. Ante el desconcierto que les produce la aparición del espectro del difunto, confesando que ha sido asesinado, los actores deciden hacer un repaso por sus principales obras para encontrar indicios que les permitan averiguar quién es el culpable, porque según el espectro, parece existir uno, oculto detrás de algunas claves y enigmas a lo largo de su obra. 

Hasta aquí el esquema argumental. Lo llamativo viene a continuación y consiste en una desdramatizada parodia de algunos de esos personajes emblemáticos que han acabado muriendo. Mediante un ingenioso sistema de máscaras, parches y apósitos, los actores van desmenuzando con frescura y desparpajo las situaciones representadas. Desmenuzando y actualizando, porque el propósito del Teatro de Poniente es poner al alcance del público joven un arte, el dramático, y un autor clave en el mismo, Shakespeare, haciéndolo próximo y festivo mediante un lenguaje desinhibido, una música y unas canciones actuales fácilmente identificables, un tratamiento gestual abierto y una ambientación adecuada.

El resultado encandiló al público, según pudo comprobarse en el coloquio con los actores, posterior a la obra, siguiendo esa feliz iniciativa desarrollada por el Teatro de Las Esquinas en sus ciclos temáticos.

Francisco Javier Aguirre

 

domingo, 30 de junio de 2024

PEQUEÑAS TRAGEDIAS. Crónica Teatral

 

PEQUEÑAS TRAGEDIAS. Crónica Teatral

Aleksandr Pushkin ha sido nombrado padre de la literatura rusa moderna, considerando como tal la surgida a partir del siglo XIX. Su giro hacia Occidente le dio a conocer las obras de autores europeos, y al mismo tiempo algunos personajes míticos a los que retrató a su manera en la obra cuatripartita titulada ‘Pequeñas tragedias’ para analizar  con crudeza las pasiones humanas más destructivas: el amor irracional,  el engaño, los celos, la avaricia y la envidia.

Su versión de personajes como Don Juan, Harpagón o Fausto, así como de las conflictivas relaciones entre Mozart y Salieri, han servido a Iguana Teatre para componer una adaptación ingeniosa de las cuatro piezas, que presentaron en el Teatro de las Esquinas el viernes, día 28, dentro del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza.

Dirigidos por Pere Fullana, los actores Rodo Gener, Carles Molinet y Marina Nicolau ofrecieron una sorprendente interpretación de la obra de Pushkin, adaptándose con maestría a los diversos personajes que componen la tetralogía. La versatilidad del gesto, la elocuencia de la palabra, la precisión del movimiento y la gestión de la compleja escenografía diseñada por Jordi Banal dieron como resultado una sesión de alto voltaje dramático. Vistoso y apropiado el vestuario de los actores, y muy expresivo el atrezo o utilería del espectáculo. 

La libertad creativa del autor de los textos resulta asimilada y recrecida en la versión de Iguana Teatre incorporando elementos de las nuevas tecnologías. Particularmente significativo fue el uso de la criogenización en 'El invitado de piedra', sorprendiendo igualmente el final de la obra. También resultó muy acertada la transición de 'El caballero avaro' a 'Mozart y Salieri', a través del hieratismo post mortem con el que concluye la primera de estas dos piezas. 

En el coloquio con los actores tras la representación, quedaron claros algunos de los recursos utilizados y se explicó cómo a través del impacto gestual puede escucharse una composición que transcurre en silencio para el espectador, como es el Requiem de Mozart.

Francisco Javier Aguirre

viernes, 28 de junio de 2024

SOÑANDO DULCINEA. Crónica Teatral

 

SOÑANDO DULCINEA. Crónica Teatral

La segunda sesión del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza tuvo como protagonista a la compañía salmantina La Befana Teatro, personificada en la actriz Nuria Galache, que ya había actuado en las primeras andaduras del zaragozano Teatro de Las Esquinas hace más de una década. 

El personaje de Dulcinea evoca con su solo nombre todo un universo de significados. A partir de él, Nur Sánchez ha construido un monólogo múltiple, puesto que la actriz personifica no solo a la fantasía emocional de Don Quijote, sino también al propio caballero andante, a su escudero Sancho Panza, a la aldeana Aldonza Lorenzo idealizada por el hidalgo, y también a uno de los personajes más sugerentes, por moderno, de la considerada obra cumbre de la literatura española: el que retrata a la pastora Marcela, sobre la que la pieza teatral emanada de la novela de Cervantes pone mucho énfasis como antecedente del actual desarrollo del feminismo. 

Sobre una escenografía muy sugerente, obra de Alejandro Contreras, Nuria Galache se desenvuelve con la soltura que da el oficio, tanto en el orden gestual como en el verbal. A destacar la utilización de su melena para hacer el tránsito de uno a otro de los personajes que encarna.

La banda sonora de Beatriz Serrano, que recurre a motivos alejados del mimetismo temporal  cervantino para conseguir una dimensión cronológica en la que caben múltiples interpretaciones, subraya momentos de gran intensidad emocional en el trayecto narrativo de la obra. Allí aparecen fragmentos de la música renacentista, de Vivaldi, Grieg, Mahler, el tango… reforzando cada uno de los episodios más significativos del desarrollo dramático. Profundizar en ellos, escapa a las dimensiones e intención de este comentario.

El coloquio posterior con la actriz, participando buena parte del público asistente, sirvió para profundizar en varios aspectos de esta original versión de El Quijote.

Francisco Javier Aguirre

miércoles, 26 de junio de 2024

LAS BINGUERAS DE EURÍPIDES. Crónica Teatral

 

LAS BINGUERAS DE EURÍPIDES. Crónica Teatral

 

El estreno de la comedia ‘Las bingueras de Eurípides’, en el Teatro de Las Esquinas, ha marcado el inicio del IV Festival de Teatro Clásico de Zaragoza.

Bajo la dirección de José Troncoso, la compañía Las Niñas de Cádiz ofreció el miércoles 26 una versión cómica de la obra de Eurípides debida a la pluma de Ana López Segovia, con una versificación estilizada y una realización brillante por parte de los intérpretes, cuatro mujeres y dos hombres.

El espectáculo se desarrolla como un tronco escénico del que van saliendo diferentes ramas anecdóticas a partir del descenso a Cádiz de Dionisio, el dios de los festejos y la chanza, en forma de mujer. Dionisia organiza un bingo clandestino que sirve de pantalla para facilitar la comunicación entre varias mujeres que comparten sus intimidades, sus alegrías y sus penas huyendo de una realidad triste y monótona, y desoyendo al mismo tiempo la normativa oficial que prohíbe aquellas reuniones. Un policía, al que denominan El Suasenaguer, acompañado de Servando, su subordinado, intenta desbaratar el plan mediante una estratagema que provoca un final trágico. 

El montaje de la obra está lleno de aciertos en cuanto a la descripción de ambientes y el desempeño de los intérpretes, expertos en el uso de la mímica y de la expresividad verbal. El enfoque se centra en la eterna lucha entre lo apolíneo y lo dionisíaco, girando alrededor de este mundo tan cotidiano como delirante, donde lo tierno y lo salvaje se dan la mano. Las protagonistas, pasados los cincuenta, comienzan a tratar a la vida de tú a tú, por encima de convencionalismos, aparentemente sumisas, pero profundamente rebeldes.

El guión de Ana López Segovia, que también interviene en la interpretación, está lleno de giros lingüísticos con la gracia característica de las chirigotas gaditanas trasladadas a una noche de Navidad en la que van a ocurrir sucesos inesperados. 

El aforo completo del Teatro de Las Esquinas, donde prosigue el Festival hoy, jueves 27, y mañana, viernes 28, refleja el interés del público por este tipo de montajes donde se combinan lo clásico y lo moderno.

Francisco Javier Aguirre

 

sábado, 22 de junio de 2024

ESCENARIOS VERANIEGOS. Crónica Teatral

 

ESCENARIOS VERANIEGOS. Crónica Teatral

Recién inaugurado el verano astronómico, son muchos los lugares de Aragón donde se programan actividades teatrales para disfrute de sus habitantes y de sus visitantes. Pero también la capital, Zaragoza, aprovecha la circunstancia del fin del curso para mostrar los logros de sus Escuelas teatrales. Tanto la municipal como las gestionadas por empresas privadas han ofrecido a la ciudadanía el resultado de su esfuerzo durante el curso 2023-2024. Es reconfortante comprobar cómo va creciendo cada año el interés de niños, jóvenes y adultos aficionados por expresarse colectivamente mediante el arte de Thalía.

Sin poder describir detalladamente cada una de las obras, por la proliferación de la oferta teatral en los tres principales escenarios privados de la ciudad, hay que destacar el ciclo desarrollado por el Teatro Arbolé durante los días14 a 16 junio en el programa ‘Muestra de la Escuela’ a cargo de Esther Pérez, Yanet Carrasco, Nuria Herreros, Azucena Roda, Julia Juárez y Luisa Peralta. A tener en cuenta el programa ‘Mutea’ que contará con nueve sesiones a partir del 20 de julio.

En el Teatro de la Estación está siendo la segunda quincena de junio la que acoge los resultados del aprendizaje, durante el curso que acaba, en el ciclo ‘¡A escena!’, dirigido por los profesionales y profesores de la Escuela Miriam Prieto, Paula Navarro, Ana Rut Serrano y Jesús Bernal, destinado a todo tipo de público, con especial dedicación a padres y familiares de los actores noveles.

Y en la más reciente de las empresas locales, el Teatro de Las Esquinas han sido los profesores Marian Pueo, Sergio Jabaten, Laura Tejero, Marta Notivoli, Laura Marco, Carlos Espejo, Ana Garcés, Gema Cruz, Clara Lapetra, Olga Arnal, Alberto Salvador, Esmeralda Gómez Souto, Lucía Grafal,  Céline Rainoird y Guillermo Garralaga, quienes han guiado la expresión corporal, gestual, musical y vocal de la Escuela de Teatro con representaciones al alcance de los distintos niveles de edad desde el 3 hasta el 25 del presente junio en un denso programa denominado '¡Locos por mostrar!'

Aplausos a organizadores, directores y actores aficionados porque han ofrecido a la ciudadanía la oportunidad de disfrutar de sus esfuerzos a lo largo de todo el curso escolar.

Francisco Javier Aguirre

 

viernes, 14 de junio de 2024

EL PADRE. Crónica Teatral

 

EL PADRE. Crónica Teatral

El éxito en el mundo literario se logra a menudo partiendo de una situación ordinaria y consiguiendo hacer de ella una versión extraordinaria. Esta fórmula, que se aplica tanto en el mundo contemporáneo como en tiempos pasados, es la que ha utilizado Florian Zeller para construir su visión de un fenómeno tan frecuente como la decrepitud cognitiva que afecta a muchos seres humanos. Algo perceptible en la actualidad a medida que ha ido creciendo la edad promedio en nuestro mundo, sobre todo en los países presuntamente desarrollados desde el punto de vista económico y sanitario. 

El dramaturgo francés concibió en 2012 la obra que, durante este fin de semana, se está ofreciendo en el Teatro Principal de Zaragoza por la compañía Teatre Romea, bajo la dirección de Josep Maria Mestres, con el protagonismo destacado de José María Pou. Ya  en 2016 fue Héctor Alterio quien personificó al anciano Andrés, bajo la dirección de José Carlos Plaza, causando un enorme impacto entre los atentos a las novedades escénicas. La obra había desbordado las fronteras de su origen francés, alcanzando versiones en medio centenar de países. En Zaragoza fue también en el Teatro Principal donde se pudo disfrutar en tres funciones, del 10 al 12 de junio de ese año, participando en el estreno la actriz aragonesa Ana Labordeta.

Por si fuera poco, en 2020 el propio Florian Zeller realizó una versión cinematográfica de su propio guión teatral, contando con el incomparable Anthony Hopkins como protagonista, a quien Olivia Colman da la réplica como Ana, la hija, principal antagonista de la historia. La única diferencia es que el episodio se desarrolla en Londres, en lugar del París original, debido a la producción británica del filme.

Cuando se conoce este, situación frecuente por haber conseguido un Óscar al protagonista y otro al mejor guión adaptado, además de varias nominaciones por otros méritos, la contemplación de la obra teatral viene acompañada por las imágenes de su versión cinematográfica; también por el poderoso impacto de la versión de José Carlos Plaza, ya comentada, en nuestro foro.

Lo cual no resta méritos en ningún sentido a la pieza dirigida por Mestres y protagonizada por el extraordinario elenco que encabeza José María Pou, al que hay que añadir una puesta en escena magnífica, tanto por el diseño del espacio con paneles móviles como por el rigor de la escenografía, que expresa de forma rotunda la pérdida del sentido de la realidad que nos acecha a todos, y no solo por cuestiones de cronología.

Francisco Javier Aguirre

miércoles, 12 de junio de 2024

LA VIDA ES SUEÑO. Crónica Teatral

 

LA VIDA ES SUEÑO. Crónica Teatral

Cuando uno acude a la representación de fin de curso de una Escuela de teatro, sabe que se va a encontrar con aprendices de actor. Eso supone dos cosas, la primera es la posibilidad de que existan fallos; la segunda se refiere a la dramaturgia y el montaje que van a utilizarse, que seguramente incluirá novedades.

En el drama de Calderón de la Barca que fue el elegido por Blanca Resano para ser representado por los alumnos de segundo curso de la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza, solo se dio la segunda circunstancia, es decir la novedad de la dramaturgia y el montaje. 

Aunque la profesora del Centro y directora del espectáculo advirtió antes de iniciarse, la posibilidad de que hubiera fallos o algunos titubeos, la realidad mostró un grupo muy bien consolidado, con una estudiada interacción, gran claridad expositiva y un ritmo sin fisuras. Dentro de una tónica alta en general, destacó la actuación del actor que personifica a Clarín, en su papel de bufón, con unas sorprendentes cabriolas y piruetas, además de una muy bien estudiada expresividad verbal.

Respecto a la novedad en cuanto a la dramaturgia y el montaje hay que decir que fue acertado, teniendo en cuenta que la mayoría de los alumnos eran mujeres y que el diseño de alternar, compartir, simultanear o suplir  personajes funcionó bien, todo ello apoyado por la música en directo al violín que completó una banda sonora muy sugerente.

La función presentada en el Teatro del Mercado, el martes día 11, va a tener una segunda edición este miércoles, día 12. Desde ahora, tanto profesores como espectadores vamos a estar a la espera de que el grupo desarrolle durante el próximo curso las técnicas adecuadas, augurando que la obra fin de carrera en la Escuela Municipal de Teatro, el próximo año, sea cual fuere la elegida, consagrará a estos actores y actrices en la hermosa tarea de la representación, docencia, gestión, escritura o dirección teatral, prosiguiendo la consolidada trayectoria de este territorio en esas materias.

Francisco Javier Aguirre

 

viernes, 7 de junio de 2024

LA MADRE. Crónica Teatral

 

LA MADRE. Crónica Teatral

La vida es un vector en una sola dirección, asegura un principio filosófico. Y Khalil Gibran, poeta, filósofo y artista libanés, tiene un hermoso poema que comienza diciendo

'Tus hijos no son tus hijos,
son hijos e hijas de la vida,
deseosa de sí misma.

'No vienen de ti,
sino a través de ti,
y aunque estén contigo,
no te pertenecen'.

Estos argumentos esenciales y existenciales los contradice la experiencia del ‘nido vacío’ cuando se convierte en patología. Eso ocurre en ‘La madre’, la obra de Florian Zeller que, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher, se ofrece durante este fin de semana en el Teatro Principal de Zaragoza.

Aitana Sánchez-Gijón, como Ana, es la madre desequilibrada que no soporta la ausencia de su hijo Nicolás, a quien da vida escénica Alex Villazán, y mantiene una pugna constante con su marido, interpretado por Juan Carlos Vellido, participando también Jùlia Roch en el papel de la novia de Nicolás. 

Ya la presentación de la obra es impactante con la protagonista paseando meditabunda por el escenario un cuarto de hora antes de que comience la función que estalla en un estruendoso inicio sonoro, diseñado por Joan Miquel Pérez, con reiteraciones y variantes que marcan el cambio del tiempo y el espacio.

La reiteración es una estrategia que el propio Florian Zeller incluye en su dramaturgia para mostrar el desequilibrio de la protagonista, que confunde el antes y el después de forma permanente, vivencia situaciones fantaseadas y que incluso al final da a entender un supuesto crimen a manos de su hijo. 

El escenario muestra un muro blanco con una fractura simbólica, que en determinado momento estallará para mostrar la ruptura total de la vida de la protagonista, ingresada en un hospital como consecuencia de su paroxismo patológico.

La interpretación del conjunto actoral está muy estudiada y consigue mantener en vilo al espectador, consciente de que está sometido a un juego de significados más allá de la anécdota.

No existe didactismo alguno en la trama, sino una cruel exposición de los límites humanos para asumir la soledad, el vacío y el paso del tiempo.

Francisco Javier Aguirre

 

sábado, 1 de junio de 2024

EL JARDÍN DE VALENTÍN. Crónica Teatral

 

EL JARDÍN DE VALENTÍN. Crónica Teatral

Son varios los elementos que pueden sorprender de entrada a quien acude al zaragozano Teatro del Mercado para contemplar la obra simbólica ‘El jardín de Valentín’ que ha montado la compañía aragonesa Tranvía Teatro bajo la dirección de Cristina Yáñez, quien se ocupa al mismo tiempo de la dramaturgia. 

Uno de ellos es que son tres los personajes, 'casi como tres clowns' (así se definen en el anuncio del espectáculo) que van a intervenir en la obra. Y sí son tres personas,  pero una de ellas no actúa, Alicia Callejero, aunque sí permite actuar a la música en directo a partir de un piano que de esa forma se convierte simbólicamente en un personaje, con todo lo que ello conlleva. La personificación de la música daría para un extenso comentario que no procede aquí. Quienes realmente actúan, en el sentido ordinario del término, son Javier Anós y Daniel Martos, que hacen una interpretación magnífica, de dicción impecable y de meticuloso control de los recursos escénicos. 

La  trama es un paradigma del planteamiento surrealista de la vida, con un lenguaje de retórica exacta, que sorprende por la ilación de las ideas y la precisión de los conceptos. Los personajes, que carecen de nombre propio, aspiran a conseguir la libertad, incluso de sí mismos, de sus costumbres, de sus contradicciones, de sus condicionamientos. Se trata de una comedia creada a partir de textos de Karl Valentin y de Rafael Campos, quien a su vez se ha inspirado en los personajes de ‘Mercier y Camier’, la novela de Beckett. Se mezclan referencias al teatro del absurdo con otras cercanas al cabaret. La pieza dramática nos plantea varios interrogantes acerca de la realidad que estamos viviendo, llena de incertidumbres, y en ocasiones próxima a la ciencia ficción.

La contraposición de la vida dentro del jardín circular donde han desembocado los personajes, frente a la existencia que llevan ‘los de afuera’ hace girar el espectáculo en órbitas filosóficas de alto nivel discursivo. La obra es exigente tanto para los actores como para los espectadores. Induce a la reflexión y a la toma de conciencia mientras los intérpretes giran interminablemente, con seguridad y contundencia, expresando unas ansias y unos deseos que en determinado momento se atreven a experimentar.

Quien lo intenta, resulta defraudado y ha de regresar al jardín, tras comprobar que ‘los de fuera’, empeñados muchas veces en guerras absurdas, no dan síntomas de tener los recursos suficientes para poner remedio a los males del mundo actual.

Francisco Javier Aguirre

 

martes, 28 de mayo de 2024

EMOTIONAL COLLAGE THEATRE. Crónica Teatral

 

EMOTIONAL COLLAGE THEATRE. Crónica Teatral

En el mundo taurino se dice que no es lo mismo ver los toros desde la barrera que desde la arena. Imaginemos que unos cuantos forofos de la tauromaquia se instalaran durante una corrida en el ruedo para ver actuar a toros y toreros.

Salvando distancias, ese experimento lo ha organizado el Teatro de Las Esquinas para los tres primeros días de esta semana, última del mes de mayo. Bajo la dirección de Carlos Martín, con dramaturgia de Irene Herrero, Alfonso Plou y el propio director, utilizando textos fragmentarios de Mamet, Rambert, Lidell y referencias a Chejov, cinco actores de la Nova Compañía –Fany Gijón, Laura Lúa, Nuria Pichardo, Jorge Rado y Evelia Sancho–, que iniciaron su aprendizaje en la Choven Compañía, realizan un ejercicio de expresión verbal y corporal dentro del escenario, rodeados por una treintena de personas que acuden precisamente con la intención de introducirse en las entrañas del experimento.

Ya no se contempla la acción y dicción de los protagonistas desde la grada, sino compartiendo su espacio operativo y en alguna ocasión las alusiones directas que impactan tanto a los emisores como a los receptores. No se trata de la fórmula de 'la provocación', sino de un modo de entrelazar al actor y al espectador utilizando el espacio desde el que se proyecta todo.

El montaje resultó de gran impacto, incluso para personas de la profesión, que también las había entre el público. Tras esa especie de máster acelerado en algo más de una hora, tanto para actores como para espectadores, hubo una exposición aclaratoria y un coloquio dirigido por Carlos Martín, director del Teatro del Temple, una de las dos compañías que conforman el Teatro de Las Esquinas, junto al Teatro Che y Moche, cuyo director, Joaquín Murillo, también intervino en el coloquio.

Participaron muchos de los asistentes exponiendo sus sensaciones, descubrimientos, imágenes... que el experimento suscitó en su imaginación y toda una serie de referencias que contribuyeron a que la sesión resultara redonda, y no sólo por la posición de los participantes en el escenario.

El martes 28 y el miércoles 29 tendrán lugar dos sesiones sucesivas de este sugestivo experimento de la Nova Compañía, un taller avanzado que forma parte del Laboratorio de Investigación y Creación Escénica ZIES.

 Francisco Javier Aguirre

viernes, 24 de mayo de 2024

OL-VI-DO. Crónica Teatral

 

OL-VI-DO. Crónica Teatral

La joven compañía aragonesa Biribú Teatro, nacida hace tres años, ha estrenado el pasado jueves, día 23, su segunda creación, en el Teatro del Mercado. El título simbólicamente entrecortado, OL-VI-DO, ya da una pista sobre el contenido del espectáculo.

En este segundo montaje, dirigido por Ana García, tras sus inicios con ‘Cómo dormir al monstruo’, tratan de poner sobre las tablas una realidad cada vez más frecuente: la pérdida colectiva de la memoria. A pesar de los enormes medios técnicos para la información de que dispone la actual sociedad, la sucesión de los acontecimientos es tan rápida que en buena medida todo lo que ocurre es pasto del olvido. No se recuerdan la mayoría de las cosas, pero se archivan.

Este es el eje de la acción cuando Olivia, Victoria y Dominga, caóticas trabajadoras de un distópico Archivo General del Olvido, contravienen las órdenes y los reglamentos impuestos y destapan varias de las cajas que han ido ordenando sistemáticamente. Su contenido les revela realidades que habían sido sepultadas por el frenesí del tiempo contemporáneo.

Alba Escribano, Carmen Más y Lorena Soler, las tres actrices formadas en la Escuela Municipal de Teatro de Zaragoza, son expertas en teatro gestual, improvisación y clown. Especializadas en combinar el arte dramático con la acción social, inician de ese modo un viaje hacia la recuperación de la memoria.

No hay un trasfondo político conectado o contrapuesto con el actual debate que se está desarrollando entre las diversas facciones ideológicas que nos gobiernan, porque la intención de las creadoras e intérpretes del espectáculo es meramente humanístico. Además de actrices, son educadoras sociales y expertas en psicología. 

Desde el punto de vista dramático, OL-VI-DO aparece con ciertas fracturas argumentales y una cierta dispersión estilística que intenta combinar la comedia con el mimo, con el teatro del absurdo e incluso con corrientes de larga trayectoria como la ‘patafísica’ de Alfred Jarry, Boris Vian y Fernando Arrabal, entre otros. 

La escenografía de Óscar Sanmartín, junto a la Iluminación de Ángel Cantizani, acompañan bien el desarrollo del espectáculo, muy concurrido el día de su estreno.

Francisco Javier Aguirre